The Wrestler

Das Review könnte eventuelle, kleine Spoiler enthalten!

Die besten Zeiten von Randy "The Ram" Robinson sind schon lange vorbei. In den 80ern war er ein im ganzen Lande gefeierter Wrestlingstar, heute arbeitet er in einem Supermarkt und tingelt jedes Wochenende zu kleinen Independent-Shows um dort nochmal ein wenig den Ruhm der alten Tage zu spüren. Er klammert sich aber viel zu sehr an die alten Tage und bemerkt nicht den sozialen und körperlichen Verfall. Das Geld wird immer knapper, seine Tochter möchte nichts mehr von ihm wissen und einzig allein die Stripperin Cassidy scheint ein kleiner Strohhalm zu sein, an den er sich klammern kann. Als "The Ram" nach einem Kampf mit einem Herzanfall zusammenbricht, raten ihm die Ärzte davon ab, sich nochmal intensiv seinem geliebten Sport zu widmen. Zu groß sei die Gefahr, das sein Herz das nicht mehr mitmacht. Er versucht langsam im Leben Fuß zu fassen, das Wrestling sein zu lassen und doch würde es ihn nochmal in den Fingern jucken, 20 Jahre nach dem großen Kampf nochmal mit seinem alten Erzrivalen The Ayatollah in den Ring zu steigen.

Das wievielte Comeback Mickey Rourke mit seiner Rolle als gebrochenem Mann hinlegt, ist schon kaum mehr zählbar, so oft ist der Kultmime aus Filmen wie Johnny Handsome oder 9 1/2 Wochen in der Versenkung verschwunden und doch wieder aufgetaucht. Wohl aber ist es sein schauspielerisch beachtlichstes Comeback. Rourke schafft es, das man beim Betrachten des Films nicht mehr den Schauspieler sieht, sondern wirklich diesen in der Vergangenheit lebenden, überaus angegriffenen Mann sieht und ihn durch sein abgewracktes Leben begleitet. Rourke geht vollends in seiner Rolle auf und wurde zurecht dafür für den Oscar nominiert.

Dabei geling es Aronofsky, mit einer rauhen und tristen Bildsprache dem Film eine Authentizität zu schenken, um so den Zuschauer noch näher als ohnehin schon am Geschehen sein zu lassen. Er fängt eine vergängliche, leicht melancholisch angehauchte Atmsosphäre ein, läßt das Licht in Tagesszenen hart erscheinen um somit eine für "The Ram" augenscheinlich feindselige Welt zu erschaffen, mit der er nur in den wenisten Fällen auch wirklich klar kommt. Im Gegensatz sind die Szenen im Stripclub sehr dunkel gehalten und wird zu einer Art Parallelwelt, in der auch der alternde Wrestlingstar erst so wirklich abschalten und sich entspannen kann. Aronofky baut hier trotz aller Dunkelheit warmes Licht und Farben ein um eine zaghafte Bande zwischen seinen beiden Protagonisten anzudeuten.

Doch "The Ram" lebt nur für sein Business, obwohl er schon knapp 20 Jahre auf dem Buckel und etliche Verletzungen davongetragen hat. Narben, ein kaputtes Ohr und zuguterletzt das wohl auch durch den Steroidmissbrauch geschwächte Herz bringen ihn vollends zum Kollabieren. Zu einer Zeit, in der er schon längst in den vergangenen Tagen lebt und denkt. Hier sieht man, das sich der Drehbuchautor Robert D. Siegel sorgfältig mit der Wrestlingszene, insbesondere der Independent-Szene, auseinandergesetzt hat. Die familiäre Stimmung im Locker Room zeigt auch auf, das dies die einzigste Welt für Robinson ist, in der er wirklich aufblühen kann. Das er dafür lebt und es ihm schlicht und ergreifend schwer fällt, die Stiefel für immer an den Nagel zu hängen. Eine Sache, die auch in der realen Szene Wochenende für Wochenende zu sehen ist, da auch hier viele Altstars, die sich zu ihren großen Zeiten keine Gedanken über die Zeit hinterher gemacht haben, sich bei kleineren als keinen Promotions durch die Kämpfe hangeln.

Man merkt hier an dieser Stelle, das der Autor selbst durch jahrelange Beschäftigung mit der Wrestlingwelt einiges an Hintergrundwissen mitbringt und so das Aronofskys Drama auch auf diesem Aspekt gut bewerten kann. Schon einige Wrestler der derzeitigen Profiligen waren von der eindringlichen Darstellung der Szene schwer beeindruckt. Man arbeitete bei der Entstehung des Film eng mit den bei Fans beliebten Wrestlingpromotions Ring of Honor und Combat Zone Wrestling zusammen, so das auch für Smartmarks, den Internetfans des Sports, viele bekannte Kämpfer zu sehen sind. Hinzu kommt, das auch die nur kurz angeschnittenen Kampfszenen wirklich gut inszeniert sind und so noch mehr das Feeling der ab und an sehr nüchternen und trostlosen Szene einfängt.

The Wrestler ist ein runder Film, der die letzte Episode einer gebrochenen Figur in einer für sie mittlerweile schwer zu begreifenden Welt aufzeigt. Und auch wenn Aronofsky es gelingt, eine so dichte Erzählstruktur zu schaffen, die einen vollends in die Welt des Films gleiten läßt, so muss man ihm auch zugestehen, das die Geschichte an und für sich nicht neu ist. Fernab jeder Vernunft läßt er seine Figur, nachdem seine Bemühungen sein Leben in eine andere Richtung zu lenken nicht fruchten, in ihrem Schicksal aufgehen. "The Ram" nähert sich seiner Tochter an um trotzdem wieder Fehler zu machen, die sie ihm all die Jahre vorgeworfen hat. Selbst als sich die ihn erst abweisende Stripperin Cassidy doch noch für ihn öffnet und über ihren Schatten springt, ihre Bedenke zur Seite räumt, ist es schon zu spät. "The Ram" hat sich für seine Welt entschieden und das Ende des Films läßt die Geschichte im Kopf des Zuschauers zu Ende führen ohne eventuell noch in Tragikkitsch abzugleiten.

Es ist ein leiser Film, klassisches Indy-Erzählkino amerikansicher Art, das vor allem von seinen Darstellern Rourke, Tomei und Wood getragen wird und so begeistern kann. Trotzdem möchte der Funke nur bedingt überspringen, zu konventionell ist die Erzählung der Story dann ausgefallen. Dies soll aber einen nicht davon abhalten, The Wrestler als einen richtig großen Film zu titulieren. Das ist er auf alle Fälle mit seinem ganzen spröden Charme, der gescheiterte Figuren bei ihrem Kampf durch die kalte Welt zeigt. Dies ist etwas, das nicht sonderlich neu ist, oft gesehen, aber gut umgesetzt wurde. Gerade das Setting und der Hintergrund der Wrestlingszene, schafft hier neue Akzente, um den Film in die gehobene Klasse zu hieven. Tolles Kino mit wahrlich großer schauspielerischer Kraft.

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Night of the Zombie

Zombie-Filme sind ja schon eine Art Passion von mir. Vor allem, wenn sie so richtig schön alt, dreckig und vor allem SCHLECHT sind. Also nicht "schlecht" im Sinne von "nee, Sir, langweilt", sondern eher ulkig schlecht.

Eine echte Perle ist da ein Kurzfilmchen von mediocre films, dass ich vor einigen Jahren mal entdeckt und (dank einer Aufräumaktion in meinen youtube-Favoriten) wiedergefunden habe - "Night of the ZOMBIE!", einer wirklich sehr nett gemachten Hommage an Filme wie "Night of the Living Dead" und älteren s/w-Klassikern- natürlich ebenfalls schwarz-weiss, inkl. dreckiger Atmosphäre dank miesem Bild und einer... ähm, sagen wir mal "interessanten" These zur Bekämpfung von Zombies.

Aber seht selbst:

(Direkt-Zombie-Bashing)

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Der Kaufhaus Cop

Seit gut zehn Jahren ist der von allen Seiten eher belächelte Paul Blart ein Wachmann in einem riesigen Einkaufszentrum. Sein größter Traum ist der Eintritt in die Polizei, doch seine Hypoglykämie macht ihm beim Sporttest einen Strich durch die Rechnung und der Dienst bei den Freunden und Helfern bleibt ihm verwehrt. Wäre dies noch nicht genug, so ist ihm auch das private Glück in Form einer neuen Frau nicht hold. Sein Leben ändert sich erst schlagartig, als nicht nur eine neue Verkäuferin, die sich als seine Traumfrau entpuppt, in sein Leben tritt, sondern auch eine Gangsterbande versucht, die Einnahmen des gesamten Zentrums zu stehen und Geiseln nimmt. Paul wächst über sich hinaus und versucht das Einkaufszentrum, seine Traumfrau als auch seine Tochter zu retten, die schon bald in die Finger der Gängster gerät.

Die Star Search-Entdeckung Kevin James, hierzulande vor allem durch die zum Kult avancierte Sitcom King of Queens bekannt, kehrt nach seinem Cameo in Leg dich nicht mit Zohan an mit einer Hauptrolle zurück in die Lichtspielhäuser dieser Welt. Von letztgenannten Film konnte James Hauptdarsteller Adam Sandler dazu bewegen, seinen neuesten Kinohit gleich mal zu produzieren. Doch während die umtriebige Marketingmaschinerie des Verleihs schon jetzt von einem Komödienhit und Witzfest spricht - wie so oft - ist das Wort Kinohit im Bezug auf Der Kaufhaus Cop doch leider eher fehl am Platz.

Es liegt weniger an Darsteller James selbst, das der Film übr die meiste Zeit viele gute Momente verschenkt und so mancher Gag unbemerkt im Kinosaal verpufft. Komödiantisches Talent besitzt der Mann, keine Frage. Zudem ist er auch ein gewisser Sympathieträger, der es gut versteht, den kleinen Mann - einen Durchschnittsbürger - zu verkörpern um somit für das Publikum eine Figur zu verkörpern, mit deren Nöte man schnell mitfühlen kann. Doch schon am Anfang des Films macht sich eine geradezu angestrengte Atmosphäre breit, die bemüht versucht, eine Vertrautheit innerhalb der kleinen Familie Paul Blarts aufzubauen. Doch so recht schafft man dies nicht und so ist die Einführung in den kleinen Kosmos des Kaufhauswächters ziemlich bemüht. Dies gilt insbesondere für die Gags, die ab und an sehr aufgesetzt wirken.

Das Konzept des Films und das Gebiet der Witze scheint klar abgesteckt zu sein, doch ist dieses Gebiet einfach viel zu klein, als das sich alles in voller Breite und Pracht entfalten könnte. Vermeintlich cool will man wirken, alleine schon wenn Blart mit seinem neumodischen, zweirädrigen Gefährt durch die Gänge des Kaufhauses braust um Recht und Ordnung zu schaffen. Geradezu brav, bieder und moralinsauer mutet die Komödie an, welche erst spät so richtig bemerkbar macht, das dies ein Film für leichtes Amusement darstellt. Ein frische (wenn auch kleine) Brise absurden Humors macht sich breit, die dafür sorgt, das die One-Man-Show um den früheren TV-Star James nicht doch ein jämmerlicher Rohrkrepierer ist. Spätestens wenn die überaus modern agierenden Gangster (Spezialisten in den Trendsportarten BMX, Skateboarden und Parcour) das Einkaufszentrum übernommen haben, blüht James auf.

Auch wenn man hier nach Schema F verfährt und die Story, wäre sie ein Lolly, mehr als nur abgelutscht ist, kommen hier die Seitenhiebe auf die 80er Jahre Machoactioner der Marke Stirb langsam wirklich gut daher und sorgen für den ein oder anderen Lacher, während vorher wenn überhaupt nur verhaltene Schmunzler regierten. Da darf man auch die arg konstruierte, weit daher geholte Story vergessen. Hier hat Der Kaufhaus Cop seine stärksten Momente und es bereitet einen Heidenspaß, wenn Paul Blart als übergewichtiger Bruce Willis-Verschnitt erst scheitert, um später doch noch - mit frisch getanktem Selbstvertrauen - die Gangster dingfest macht.

Das hier natürlich gleich noch eine Botschaft mitgeliefert wird, das man es auch als angebliches "kleines Licht" immer seine Träume und Ziele verfolgen soll, da sich diese - mit genug Glauben - doch noch bewahrheiten, ist typisch für solch seichte Hollywoodkost. Es scheint wie immer eine gewisses schlechtes Gewissen der Drehbuchautoren bei ihren Witzen über all die Minderheiten und gehandicapten Menschen während des Films reinwaschen zu wollen um festzustellen, das in diesem Fall auch dicke Menschen, die als Loser von ihrer Umwelt wahrgenommen werden, wahre Helden sind. Gutmenschen, wie auch Paul Blart einer ist. Sehr schön ist dies in einer Szene zu sehen, in der er einen der Gangster auf einer eingeschalteten Sonnenbank fesselt und festhält und ihm dann doch noch, bevor er sich vom Tatort entfernt, ihm einen Augenschutz aufsetzt.

Da ist ein herzerweichendes Happy End natürlich vorprogrammiert und spätestens, wenn dieses dann Eintritt, merkt man eine weitere kleine postive Natur des Films. Trotz bekannten Pfaden, die Der Kaufhaus Cop betritt, ist er auch ein äußerst kurzweiliger Film der gemäßigt zu unterhalten weiß. Durch sympathische Hauptdarsteller, bei der auch der Blickfang Jayma Mays äußerst reizend rüberkommt, wird man mit dem Film versöhnt freut sich aber auch gleichzeitig auf die nächste, etwas mehr das Lachen rauskitzelnde Komödie. Denn hier ist Der Kaufhaus Cop eher lauwarm mit wenig richtig heißen und zündenden Gags.

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Silbersattel

Als kleiner Junge muss Roy Blood mitansehen, wie sein Vater von einem Gefolgsmannes des reichen Herrn Barretts erschossen wird, da er seine 100 Dollar einfordert, um die er von Barrett betrogen wurde. Roy erschießt daraufhin den windigen Gesellen und reitet mit dessen Pferd auf und davon. Jahre später ist Roy zu einem properen Mann herangewachsen und reitet mit dem Markenzeiches des Mörders seines Vaters, einem silbernen Sattel, durch das Land. Er trifft dabei auf den Leichenfledderer Snake, der ihm wenig später einen Deal macht, den Roy nicht ausschlagen kann. Er soll Thomas, ein Mitglied der Barrett-Familie, ermorden. Allerdings entpuppt sich dieser als ein kleiner Junge, den er im letzten Moment vor anderen Schergen, die es auf ihm abgesehen haben, schützt. Trotz seines Hass auf die Barrett-Familie nimmt sich Roy dem kleinen Thomas an und kommt bald einer Intrige auf die Schliche, in der es um den Tod und das immense Erbe des kleinen geht. Roy versucht daraufhin, den Intriganten das Handwerk zu legen.

Der dritte und letzte Western von Kultregisseur Lucio Fulci entpuppt sich für dessen Verhältnisse als ein relativ zahmer Spätwestern, der durchaus zu unterhalten weiß. In der Hauptrolle steht dabei Giuliano Gemma, der sich zu dieser Zeit einen Namen als Westerdarsteller gemacht hat und ein Jahr zuvor im brillanten Der Mann aus Virginia mitspielte. Anders als dort, verkörpert hier Gemma wieder einen für ihn typischen Charakter. Roy Blood ist ein mit außerordentlich vielen Talenten ausgestatteter Mann, der sich aus jeder noch so brenzligen Lage befreien kann und zudem moralisch höchst integer agiert. Allerdings wird er so ein wenig zu sehr als eine Art am Ende immer siegender Supermann dargestellt. Nicht ungewöhnlich für den Italowestern, tummelten sich dort doch mehr solcher Figuren. Doch irgenwie mag Gemmas Charakter, trotz dem gelingen, das man Sympathien für seine Figur herstellt, hier nicht so richtig passen.

Fulci schafft mit dem toll inszenierten Anfang zuviele Erwartungen, die Silbersattel im weiteren Verlauf seiner Geschichte nicht halten kann. Die dort vorherrschende düstere Stimmung und unterschwellige Spannung verpufft schon innerhalb der nächsten fünf Minuten und man hat es dann mit einem eher gemäßigteren Vertreter seiner Art zu tun. Durch die Intensität des Beginns vermutet man eher einen knallharten Rachewestern. Und auch wenn das Motiv der Rache durchaus in der Geschichte Silbersattels vorkommt, so lockert man allerdings das Auftreten des Films durch einige mildere Elemente auf. Mit der Einführung der Figur des Snakes, ohnehin der heimliche Star des Films, kratzt man sogar ein wenig am erst in den 80ern wirklich aufkommenden Subgenre des Buddymovies. Auch wenn Skepsis zwischen beiden Parteien herrscht, so kommt auch eine fruchtbare Partnerschaft zwischen Roy Blood und Snake auf, die spätestens am Ende als eine Art heimliche bzw. aufkeimende Freundschaft dargestellt wird.

Dabei ist Snake das pure Gegenstück von Roy. Er zieht von Unglück zu Unglück, immer die Opfer und Toten nach deren Wertsachen durchsuchend, um diese dann an sich zu nehmen. Schnell hegt man allerdings mit ihm auch eine gewisse Sympathie, da Snakes Charakter gerade durch seine Verschrobenheit einen gänzlich eigenen Charme gewinnt. Der vom Amerikaner Geoffrey Lewis dargestellte wird wie erwähnt der heimliche Star des Streifens, da man seiner Figur die Ecken und Kanten gegeben hat, die Roy einfach fehlen. Selbst als er sich dem kleinen Barrett annimmt, siegt am Ende doch seine gute Seite. Wäre Silbersattel wohl einige Jahre früher entstanden, wäre die Figur Roy Blood wohl nicht so wohlwollend mit dem Kind umgesprungen.

Wobei man hier mit dem Handlungsverlauf auch eher eine kleine Botschaft mit auf den Weg geben möchte. Roy und der kleine Thomas freunden sich immer mehr miteiander an, ganz gleich, das der Junge ein Verwandter von dem Mann ist, der den Tod seines Vater zu verschulden hat. Dieses Motiv der Vergebung läßt Silbersattel ja beinahe schon etwas kitschig und in die Nähe "verweichlichter" US-Western gleiten. Allerdings ist der auch unter dem Alternativtitel Sie starben in Stiefeln bekannte Film doch durch und durch ein Italowestern, der durch ein herrlich dreckiges und staubiges Ambiente begeistern kann und die für Genre auch so bekannten Härten aufweist. Wobei man hier - gerade auch im Bezug auf Regisseur Fulci und dessen spätere Gewaltepen - doch sehr gemäßigt und zurückhaltend zu Werke geht. Zwar gibt es auch hier einige Grausamkeiten, andere Italowestern sind allerdings weitaus offensiver, was das angeht.

Einem Unterhaltungswert kann man ihm auch nicht absprechen, nur hätte man das Werk alles in allem doch etwas runder inszenieren können. Das Drehbuch kommt relativ Stückhaftig daher und bietet einige größere Zeitsprünge und es entsteht ein abgehackter Erzählfluss. Manche Sprünge erweisen sich einfach als zu hart und es hat den Anschein das man ohne große Ideen manche Ideen und Szenen im Drehbuch einfach nur aneinanderreihte und das mit einigen Füllelementen zu einer kompletten Geschichte ausdehnte. Dies ist Silbersattels größtes Manko und verwehrt ihm auch den Status eines richtig guten Films. Richtig gut ist dafür der Soundtrack aus der Feder von Franco Bixio, Vince Tempera und Fabio Frizzi. Letzterer sollte übrigens auch den kongenialen Soundtrack zu Fulcis erstem großen Splatterfilm, Woodoo - Schreckensinsel der Zombies, beisteuern. Hier kupfert man nämlich ein klein wenig bei Spiel mir das Lied vom Tod ab und gibt jedem größeren Charakter ein eigenes Thema, das beim Auftritt von diesem erklingt. Vor allem das Thema von Roy Blood, verschiedene Abwandlungen des ohnehin sehr schönen Titellieds, vermag schnell ins Ohr zu gehen.

Fulci arbeitete hier mit seinem Stammkameramann Sergio Salvati zusammen, der für ihn später auch seine großen und bei Horror- und Splatterfans so bekannten und geliebten Werke fotografierte. Auch hier bekommt er einige schöne Bilder hin und auffallend an Silbersattel ist, das eines der Motive für das Fulci am bekanntesten ist, der Zoom auf die Augenpartie seiner Darsteller, hier überraschend wenig auftaucht. Scheint so, als hätte sich der 1996 leider verstorbene Regisseur dieses Markenzeichen erst zu seiner Horrorfilmzeit angeeignet bzw. ausgebaut. Von seinen drei Western bleibt Silbersattel allerdings der schwächste, der auch an einer sehr konstruierten Auflösung zum Ende krankt. Trotzdem ist er auch ein seichter, aber auch kurzweiliges Italowestern-Abenteuer, das - ein wenig runder inszeniert - noch ein wenig besser geworden wäre.

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Ein Kind zu töten...

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Der britische Biologe Tony möchte mit seiner hochschwangeren Frau Evelyn einen erholsamen Urlaub in Spanien verbringen. Da es ihm im Ort ihrer Ankunft durch ein Volksfest ein wenig zu laut ist und auch die Menschenmassen ihn nicht wirklich in Urlaubsstimmung bringen, beschließt er, zur Insel Almanzora weiter zu fahren, auf der er vor zwölf Jahren schon einmal war. Am nächsten Tag mietet man ein Boot und macht sich zur Insel auf. Dort angekommen, scheint alles ruhig und idyllisch bis ihnen auffällt, das nur Kinder, aber keine Erwachsenen im Ort zu sehen sind. Alles scheint verlassen, selbst in Läden oder in einer kleinen Pension findet man weder Einheimische noch Touristen. Schnell findet sich die Lösung des Mysteriums. Die Kinder der Insel scheinen den Verstand verloren zu haben und töteten alle Erwachsene. Bald stehen auch Tom und Evelyn auf der Zielscheibe der Kleinen.

Der spanische Regisseur "Chicho" Serrado hat eine relativ überschaubare Filmographie aufzuweisen. Da er die meiste Zeit über für das Fernsehen arbeitete, hat er nur drei große Spielfilme vorzuweisen. Neben dem hier besprochenen Who Can Kill A Child schuf er den Gothic Horror-Streifen Das Versteck (auch als The House That Screamed bekannt) und erst vor drei Jahren seinen bisher dritten Film, Blame. Der bekannteste und bemerkenswerteste Film dieser Triole dürfte ohne jeden Zweifel Ein Kind zu töten... sein, der erst vor kurzem vom noch relativ frischen Anbieter Bildstörung durch eine beantrage Neuprüfung nach 24 Jahren vom Index geholt werden konnte. Und das zu recht, wäre der Film ansonsten doch vielleicht für ewig auf der Liste der indizierten Filme vergammelt.

Nun kam in der bisherigen Geschichte des Horrorfilms die Bedrohung schon des öfteren von Kindern aus wie zum Beispiel im Klassiker Das Dorf der Verdammten, dessen eher mäßig ausgefallenes Remake von John Carpenter oder auch der Stephen King-Adaption Kinder des Zorns. Doch während in genannten Beispielen die Heranwachsenden von extraterrestischen bzw. dämonischen Kräften in ihren Bann gezogen werden und so zu äußerst unangenehmen Zeitgenossen werden, läßt der alte Fuchs Serrado eine finale Erklärung, wieso die Kinder auf der Insel ihre Schutzbefohlenen umgebracht haben, völlig aus. Er läßt den Zuschauer im ungewissen und läßt somit viel Raum für Interpretationen.

Diese Ungewissheit und äußerste Spannung ist es auch, welche Serrado meisterhaft mit der Ankunft des britischen Pärchens auf der Insel erzeugen kann. Er braucht nicht viele Mittel um ein äußerst intensives Gefühl der Beklemmung zu erzeugen, wenn Tom und Evelyn durch die menschenleeren Gassen des kleinen Ortes wandeln und auf der Suche nach Menschen sind. Es wird eine dichte Atmosphäre geschaffen, welche der ansonst so idyllischen, mediterranen Postkartengegend eine nicht zu unterschätzende Bedrohlichkeit verleiht. Auch die zuerst recht harmlos ausschauenden Kinder können vom einen Moment auf den anderen zu einer bedrückend-schaurigen Stimmung beitragen. Wobei hier Ein Kind zu töten... ohnehin einen Kontrast zu anderen Horrorfilmen mit Kindern als Wurzel allen Übels darstellt. Selbst wenn das Paar herausfindet, was auf der Insel passiert ist und sich auf die Flucht vor den Kindern macht, so werden diese weiterhin mit besonnenem Gesichtsausdruck und einem beinahe schon unschuldigen Lächeln auf den Lippen dargestellt. Wo andere Filme schnell das anfänglich noch harmlos erscheinende Kind durch Einstellungen, Beleuchtung und andere Kniffe dem Zuschauer suggerieren, das es nun auf die "böse Seite" gekommen ist, es dämonisiert und zum wahrlichen Antagonisten macht, läßt Serrado seine Kinder höchst natürlich einfach nur Kind sein.

Gerade hier erweist der Film seine Qualitäten und zeigt, das er weit mehr als ein einfacher Horrorfilm der 70er Jahre ist, um einfach nur zu schocken und dem Zuschauer einige schaurige Momente zu bereiten. Auch auf dieser vordergründigen Ebene funktioniert Ein Kind zu töten... fabelhaft, bietet aber zwischen den Zeilen weitaus mehr. Dies macht schon den Anfang mit der bisher in Deutschland fehlenden, sieben Minüten Anfangssequenz, in der Serrado mit schwarz-weißem Archivmaterial die Gräuel des Krieges aufweist und dabei vor allem einen Fokus auf die hilflosesten Opfer des menschliches Kriegstreiben setzt: eben die Kinder. Mit schockierenden Bildern werden u. a. der zweite Weltkrieg, Vietnam und der Bürgerkrieg in Nigeria behandelt, immer wieder von den Credits und einer durch den Kontrast mit dem Bildern sehr makabren Musik, ein von einer Kinderstimme gesummtes Lied vermengt mit Kinderlachen, unterbrochen.

So läßt sich Ein Kind zu töten... auch als Anklage an die Menschheit verstehen, das sie eines der wichtigsten Güter unserer Zeit, die nachkommende Generation - unsere Kinder - durch Ignoranz und rohe Gewalt, die Übergreifend in Kriegsgeschehen mündet, ohne jegliche Gedanken an diese misshandelt, quält und umbringt. Man solle sie besser schützen, bevor sie sich eventuell noch gegen uns richten. Hier macht auch die unbeantwortete Frage nach dem Warum wirklich Sinn. Anders als die bisherige deutsche Fassung, hat der damalige Verleih doch einfach die Eingangssequenz entfernt und die Handlung sowie die Erklärung nach dem Verhalten der Kinder durch den völlig sinnentstellten Titel Tödliche Befehle aus dem All in die Zukunft verfrachtet und eben mit außerirdischem Einfluss erklärt. Es mag sein, das man dem Rezipienten ein wenig mehr Katharsis verschaffen wollte und die schockierende Wirkung des Films abmildern.

Noch weiter geht es, wenn man die Charaktere der Protagonisten anschaut. Während Tony ein eher grüblerischer Mensch zu sein scheint, so ist seine Frau eine lebensfrohe, eventuell auch etwas naive Frau. Serrado deutet in einigen Szenen zu Beginn an, das das von Evelyn erwartete Kind nur zum Teil ein Wunschkind ist. Der Begriff der Abtreibung schwebt ungesagt im Raum einiger Szenen und läßt einige Gedankenspiele zu. So verleiht auch die kurze Andeutung, das Tony zu Beginn der Schwangerschaft seiner Frau wohl mit dem Gedanken der Abtreibung gespielt hat, der ganzen Handlung noch einmal eine neue Ebene und scheint einen ehelichen Konflikt über das Thema darzustellen. Während Evelyn darauf beharrt, das Kind zu bekommen hätte Tony wohl weniger Skrupel gehabt, das ungeborene Kind zu töten. Legt man dies nun auf einige Handlungsstränge des Filmes aus, ergeben sich hier einige Andeutungen. Als Tony mit einem Auto auf die Menge der Kinder zu rasen will, ganz egal ob er dabei einige umbringt, reißt Evelyn im letzten Moment das Lenkrad herum, um die Kinder zu schützen. Noch deutlicher wird es, als man zum allerersten Mal wirklich Gewalt gegen die Heranwachsenden anwendet und Tony einen Knirps erschießt, der mit einem Revolver auf seine Frau zielt.

Erst spät scheint auch Tony so wirklich zu begreifen, was er sich die ganze Zeit gedacht hat und entschuldigt sich bei seiner Frau zwar nicht explizit dafür, das er wohl an eine Abtreibung gedacht hat, die Andeutung läßt aber seinen Ansatz zu Ende denken. Ohnehin spielt der Film immer - alleine auch durch seinen Titel - mit der Frage, wer wirklich dazu im Stande wäre, ein Kind zu töten. Anklage gegen das Verhalten der erwachsenen Welt gegenüber ihrer Kinder, gesellschaftskritisch, auch in Ansätzen mit dem auch heute noch brisanten Thema der Abtreibung spielend vermag Ein Kind zu töten... trotz komplexer Hintergründigkeit auch als einfacher Horrorfilm vollends zu überzeugen. Zwar kann er die immense Spannung nicht ganz durchhalten, bleibt aber ein sehr faszinierender Film, ein kleines Juwel des spanischen Horrorfilms, der das Genre mit seinen standardisierten Formeln selbst heute noch erfrischend aufzulockern weiß.

Bei gleißender Sonne hetzt man durch den kleinen Inselort. Dunkelheit, Schatten und Nacht - seit Beginn der Filmgeschichte ein Stereotyp des Genres - sucht man hier vergebens. Trotzdem wird man von der schier unglaublichen Atmosphäre, unterstützt von einem zurückhaltenden, aber auch wunderbaren Soundtrack, durch äußerst kurzweilige 106 Minuten getragen. Selbst mit seinem sehr offensichtlich an Romeros Night of the Living Dead erinnernden Ende läßt Ein Kind zu töten... noch so einige Fragen zurück, die der Zuschauer für sich zu beantworten weiß. Selten gibt es solch vielschichtige und sehr gute Horrorfilme wie den im englischen Who Can Kill A Child betitelten Film. Er funktioniert sowohl als ruhig erzählte, aber spannend umgesetzte Horrorgeschichte als auch als gesellschafskritisch anklagender Film, der das verhalten der Menschheit mit beeindruckender Leichtigkeit das teils zweifelhafte Verhalten der Menschheit Kindern gegenüber in einen kleinen Kosmos - auf die isolierte Mittelmeerinsel - versetzen kann. Sollte man definitiv gesehen haben.

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All The Boys Love Mandy Lane

Mandy Lane (Amber Heard) ist wohl das meistbegehrteste Mädchen ihrer Highschool. Ärgerlich nur, dass sie nicht nur das Unnahbarste ist, sondern zudem in aller Regel mit einem etwas nerdigen Freund, Emmet (Michael Welch), auftritt. So nimmt sie die Einladung des hiesigen Schul-Olafs zu einer Pool-Party auch nur unter der Bedingung an, diesen mitbringen zu dürfen.
Auf der betreffenden Party - und ein paar alkoholische Getränke später - stellt der Gastgeber (nach einer kleineren Hauerei mit Emmet) denn auch sein Glück auf die Probe, nimmt bei dem Versuch, die Angebetete mit einem Sprung vom Hausdach in den Pool zu beeindrucken, allerdings ein jähes wie schmerzhaftes Ende.

Zeitsprung, 9 Monate später: Mandy hat sich mittlerweile doch mit einigen MitschülerInnen angefreundet und will von ihrem einstigen Kollegen Emmet, der wohl auch nicht ganz unschuldig an dem damaligen Unfall war, nichts mehr wissen. Dass der ersehnte Schulabschluss sich nähert, nehmen sie und 5 FreundInnen zum Anlass, ein Party-Wochenende auf einer abgelegenen Ranch zu feiern. Zu fortgeschrittener Stunde (und wieder einmal einigem konsumierten flüssigen wie rauchbaren Zeug später) steigern sich alsbald natürlich auch die Annäherungsversuche in Richtung der immer noch unberührten Mandy Lane. Schade nur, dass da offensichtlich auch noch ein mysteriöser Kapuzentyp ein paar Wörtchen mitreden will und so plötzlich einer nach dem anderen spurlos verschwindet...

Hach, schon grundsätzlich liebe ich solche Filme: Das Scheibchen ist noch nicht mal ganz warm gelaufen im Player (vielleicht so 1 1/2 Minuten sind rum) und schon wünscht man sich, dass mindestens 98% der Akteure eines fiesen Todes sterben. Vorteilhafterweise liegt das ja aber auch in der Natur solcher Werke.

Wahrlich wird einem hier wenig Neues geboten. Es läuft halt immer nach der selben Rezeptur: ein paar mehr oder minder gutaussehende Teenager steckt man mit genügend Alkohol und Drogen in eine Waldhütte / in ein Zeltlager / in die Berge [zutreffendes bitte hier einfügen], nur um sie kurz darauf von einem Messermann / Kettensägentypen / Würger [unzutreffendes bitte streichen] dahinrotten zu lassen.
Was Ende der 70er und in den frühen 80ern mit einigen Klassikern wie Cunningham's "Friday the 13th" oder Hoopers Härtner-Stück "Texas Chainsaw Massacre" begann, in doch recht seichten 90er-Teenie-Schlitzern wie "Scream" oder "Ich weiss, was Du letzten Sommer getan hast" weitergesponnen und zu Beginn des neuen Jahrtausends mit Leckereien wie "Wrong Turn" zu neuem Leben gebracht wurde, bildet natürlich auch hier die Grundlage.

Wie auch immer: Alte Rezepturen sind nicht grundsätzlich gammelig und auch ein Glas alten Rums schmeckt, mit etwas Rohrzucker, Eis und frischer Minze drinnen, immer noch hervorragend.
So weiss also auch "All The Boys Love Mandy Lane" durchaus zu überzeugen. Lose an der Richtschnur des schon Bekannten spinnt Levine die Handlung, immer stylish und nett ins Bild gesetzt und immer wieder mit einigen kleinen frischeren Drehungen und Wendungen versetzt, sodass er den geneigten Zuschauer (und selbst Blutfilmexperten) doch ein paar Mal an der Nase herum führen dürfte und bis hin zum extremeren Schluss absolut zu unterhalten und zu täuschen weiss.

Sehr positiv erwähnen sollte man auch noch die Auswahl der DarstellerInnen die es von Anfang an schaffen, ihren Charakteren Leben einzuhauchen und durchweg eine mehr als passable Schauspielleistung abliefern. Vor allem von Amber Heard dürfte man in nächster Zeit noch einiges hören.

Fazit: Wie schon erwähnt, keine kreative Überperle, durch die Handlungswendungen wohl vermutlich auch nur beim ersten Schauen wirklich spannend und hätte eventuell noch eine kleine Prise mehr Biss vertragen, durchaus aber nach längerer Zeit (und gefühlten 8 Millionen Remakes) mal wieder ein etwas frischerer Wind im Teenie-Slasher-Wald (sofern man den Streifen denn in diese Schublade stecken will).
Ja, Sir, gefällt.
(3,5 von 5 Sternchen).

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Ausbruch zur Hölle

Ein Gefangenentransport mit hochgefährlichen Insassen wird in einen Unfall verwickelt, den die Kriminellen dazu nutzen, die Polizisten zu überwältigen und zu türmen. Das Trio, angeführt vom unberechenbaren Sadisten Jesse Kane, macht sich mit dem Wagen eines Zuhälters aus dem Staub, überfällt eine Tankstelle und trifft in einem Spirituosenladen auf Corrie Turner, die Tochter eines schwarzen Reverends. Während man den Besitzer noch schnell im Vorbeigehen um die Ecke bringt, macht man sich mit der Frau im Schlepptau zum Haus der Turners. Dort bringen die Gangster die Familie in ihre Gewalt und beginnen damit, diese zu demütigen und zu quälen. Während die Polizei immer noch nach den Flüchtigen fahndet und Anfangs keine Spuren zu finden scheint, beginnen die Turners langsam aber sich gegen ihre Peiniger zu rebellieren.

In seiner Karriere als Regisseur hat es Robert A. Endelson nur zu zwei Filmen gebracht. Nach der Komödie The Filthiest Show In Town hat er mit Ausbruch zur Hölle einen dreckigen, absolut schmierig erscheinenden B-Film geschaffen, der ganz klar in der Tradition solcher Terror- bzw. Rape and Revenge-Streifen á la The Last House on the Left steht. Unübersehbar scheint Endelson, der auch noch gleich für den Schnitt gesorgt hat, von Wes Cravens Frühwerk beeinflußt worden zu sein. Allerdings erreicht er mit seiner Version einer Rachegeschichte bei weitem nicht dessen Klasse. Auch wenn der Film im großen und ganzen schon recht sehenswert ist.

Seine größten Stärken besitzt er vor allem durch das Spiel von William Sanderson, welcher als Jesse Kane geradezu aufblüht und wohl sichtlich Spaß an der Verkörperung des sadistischen Schwerverbrechers hat. So wird Sanderson eines der tragenden Elemente, der den Film vor dem Untergang in den Morast des Durchschnittsfilms retter. Allerdings muss man sich hier auch wieder vor Augen führen, das selbst die beste schauspielerische Leistung nichts bringt, wenn sich der Regisseur bzw. schon die Drehbuchschreiber mit angezogener Handbremse durch die Geschichte bewegen. So versteht es Endelson leider kaum, im Film eine gewisse Intensität zu vermitteln, die er wohl gerne gewollt hätte. Die sadistischen Misshandlungen des Gangstertrios an ihren Gefangenen entpuppen sich dann vor allem in der ersten Filmhälfte als überraschend harmlos, nachdem zum Beispiel Kanes Charakter als ausgewiesen wiederwärtiger Sadist eingeführt wurde. So wirken dann einige Handlungen schlicht unglaubwürdig, so das Ausbruch zur Hölle mehr als einmal das Problem bekommt, relativ trashig zu werden.

Gut, Trash ist das Werk ohnehin. Nur auch hier muss immer noch zwischen gutem, unterhaltsamen Trash und wirklichen Griffen ins Klo differenziert werden. Es ist aber einerlei, wenn ungeahnte Qualitäten an die Oberflächen treten oder sich unfreiwillig komische Momente wie in Werken von Al Adamson oder Ted V. Mikels einstellen. Am schönsten wird dieser unfreiwillig komische Humor dann, wenn die Polizei Probleme mit einem nigelnagelneuen Abhörgerät hat. Was man sich hier geleistet hat, kann man nur mit einem herzlichen Lachen begrüßen. So etwas paßt allerdings keineswegs in den zweifelhaften Kontext in dem der Film steht. Die Gangster, vor allem wieder die über allem stehende Figur des Kane, entpuppen sich als Rassisten wie sie im Buche stehen. Gerade die deutsche Synchronisation bietet hier einige sehr herbe Sprüche, die durch Manfred Lehmann, der Kane seine Stimme leiht, sehr authentisch rübergebracht werden.

Hier wird Ausbruch zur Hölle urplötzlich ein wenig interessant, doch Endelsons kleine Kritikansätze verpuffen in einer viel zu gleichförmigen Inszenierung. Es scheint, als habe man sich im Endeffekt nicht getraut, einige Ansätze näher zu vertiefen. Zu Anfang erscheint es nämlich auch so, das Mitglieder der Familie des schwarzen Paters Ted Turner einige Vorurteile gegenüber Weißen hegen. Kleine Andeutungen lassen hier Erkennen, das der Rassismus nicht immer nur ein Problem der Weißen ist. Jede ethnische Gruppe scheint leider nicht über die eigene Hautfarbe hinauszudenken, was zu Problemen im alltäglichen Miteiander führt, anstatt zu erkennen das alle Menschen gleich sind, ganz egal welche Hautfarbe man hat. Man verwirft dies aber, läßt wohl nur kleine Reste dieser Aspekte in der gesamten Geschichte zurück und versucht lieber, bekannte Vorbilder zu kopieren.

Dies gelingt allerdings erst ab der zweiten Hälfte des Films, als es Endelson gelingt, dem relativ unspektakulären Terrorfilm eine gewisse Intensität zu verleihen. Durch mehr oder minder gute Verstrickungen einiger Elemente erfährt man als Zuschauer auch eine gewisse Beklemmung, wenn die Gewalt komplett ausbricht. Wie in jedem Terrorfilm erfahren auch hier die Geschädigten, sich an ihren Peinigern zu rächen, was Endelson mit einer kompromisslosen Inszenierung sogar gut gelingt. Hier scheint auch ein Ruck durch so einige Schauspieler zu gehen, welche im Vorfeld dafür Sorgen, das die meist harmlosen Szenen der ersten Hälfte noch zusätzlich verwässern.

Trotz allem "wenn" und "aber" kann man Ausbruch zur Hölle nie einen gewissen Charme absprechen, der den Zuschauer trotzdem fesselt und ihn zu einem eigentümlichen Thriller macht, der einige herbe Kapriolen bietet und trotzdem einiges an Unterhaltungswert bietet. Er ist eben auch ein typisches Ergebniss der güldenen Sleaze-Ära des amerikanischen B-Films der 70er Jahre, aus denen schon so manche kleine Perle entstanden ist. Nur ist dieser Film keine Perle sondern ein noch sehr unbehandelter und grob anmutender Stein, den man noch etwas veredeln hätte können. Sehenswert ist das ganze schon wenn man die typische Atmosphäre solch kleiner Trasher mag. Man sollte seine Erwartungen nur nicht ganz so hoch schrauben, da Ausbruch zur Hölle in Regionen knapp über dem Durchschnitt wandelt und so nur bedingt überzeugen kann. Endelson hätte mal eben die Handbremse lösen sollen und mehr Mut zeigen sollen, auch wenn er damit eventuell einige Kontroversen Aufgrund des vorherrschenden Tons ausgelöst hätte. So bleibt er ein trashiger, ab und an unfreiwillig komischer Terrorfilm mit (wenigen) guten Momenten und noch mehr verschenktem Potenzial.

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