The Black Cat

Ein kleines, englisches Dorf wird von mysteriösen Todesfällen heimgesucht. Die hiesige Dorfpolizei steht bei ihren Ermittlungen vor einem Rätsel und fordert von daher bei Scotland Yard einen Experten an. Doch auch dieser ist schnell mit seinem Latein am Ende, bis er von einer Fotografin, die er bei einem Fall für Tatortfotos zur Hilfe gezogen hat, eine für sich zuerst recht abenteuerliche Lösung der Sache hört. Die Fotografin erzählt ihm von einem alten, zurückgezogen lebenden Mann, der ein Medium ist und ihr erzählt habe, das eine schwarze Katze die bei ihm aufgetaucht ist, für die Morde verantwortlich ist. Der Experte möchte ihr zuerst nicht glauben, doch seine Zweifel hellen etwas auf, als bei einem der Toten Haare von einer schwarzen Katze gefunden werden.
Die recht populäre Kurzgeschichte "Die schwarze Katze" aus der Feder von Edgar Allan Poe hat in der bisherigen Filmgeschichte schon einige Verfilmungen über sich ergehen lassen müssen. Zuletzt versuchte sich Re-Animator-Regisseur Stuart Gordon innerhalb der TV-Serie Masters of Horror an einer Adaption des Stoffes. Auch aus Italien gab es dabei einen Versuch, Poes Geschichte auf die Leinwand zu bringen. Dabei vergriff sich Lucio Fulci zusammen mit seinem Co-Autoren Biagio Proietti an dem klassischen Stoff. Fulci hatte gerade erst zwei Filme im Horrorgenre gedreht, welche beide allerdings im Fandom mittlerweile einen riesigen Kultstatus errungen haben: Woodoo - Die Schreckensinsel der Zombies sowie Ein Zombie hing am Glockenseil. Nach letzterem entstand der im italienischen betitelte Il gatto nero, der es erst vor wenigen Jahren überhaupt nach Deutschland schaffte.

Hierbei versammelt Fulci sogar ein für Fans wohlklingendes Ensemble um sich. Al Cliver (Aufgrund seiner Frisur und der kleinen Ähnlichkeit von vielen Fans auch Bernd Schuster genannt) spielte in Woodoo schon eine Rolle sowie in einigen anderen Filmen Fulcis, was auch für David Warbeck gilt. Der leider schon verstorbene Neuseeländer, welcher übrigens lange Zeit als James Bond-Nachfolger von Roger Moore gehandelt wurde bis dann (ebenfalls leider) Timothy Dalton die Nachfolge Moores antrat, war auch schon in Ein Zombie hing am Glockenseil mit von der Partie. Komplettiert wird der Reigen illustrer Namen durch Dagmar Lassander, die für Fulci nochmal bei Das Haus an der Friedhofsmauer vor die Kamera trat, Mimsy Farmer und Patrick Magee. Alles in allem also ein Vorfreude weckender Cast, welcher allerdings, wie so vieles an Fulcis Film, enttäuscht.

Durch die Bank weg enttäuschen die Mimen und bleiben mit ihrem Spiel relativ farblos, was vor allem bei Magee als verbittertes Medium sehr schade ist. Der schon sichtlich gealterte Schauspielveteran, welcher zwei Jahre später verstarb, vermag es leider nicht, seinem Charakter einen gewissen kraftvollen Auftritt, welche diese um richtig zu funktionieren schon benötigt, zu verleihen. Schwach und mit auf Sparflamme heruntergedrehtem Einsatz gelingt es ihm zwar, im Zuschauer eine gewisse Antipathie zu erwecken, doch gerade der Grat zwischen dem Gebrechlichen und Durchtriebenheit seiner Figur wird von ihm nicht vollem Einsatz begangen. Hinzu kommt für die deutsche Sprachfassung, das die Synchronisation nicht wirklich gut ist und hier somit ein weiteres Defizit hinzukommt.

Wie auch Magee, so operieren eigentlich auch alle anderen Darsteller. Schwung- und kraftlos wandert man hier durch die Bank weg durch eine Geschichte, die von den beiden Drehbuchautoren mit einigen Elementen bereichert wurden, die so auch nicht wirklich funktionieren wollen. Poes Darstellungen der mysteriösen und boshaften Katze werden leider durch Eingriffe von außen geschmälert, was trotz der Erläuterungen innerhalb der Geschichte zu konstruiert daher kommt. Es nimmt der Geschichte ihren mystischen Reiz und vermag sogar eine gewisse Enttäuschung hervorrufen. Vor allem Kenner der Kurzgeschichte dürften hier mit einigem Stirnrunzeln den Film begleiten.

Dabei gelingt es Fulci jedoch, bei The Black Cat eine durchaus schöne Atmosphäre zu erzeugen und mit einer zugegebenermaßen etwas übertriebenem, aber auch effektiven Prolog den Film schmackhaft zu machen. Größtes Manko sind allerdings die Szenen mit der Katze selbst. Fulci versteht es nur manchmal, das Tier richtig bedrohlich in Szene zu setzen. So schleicht sie mal wie ein gewöhnlicher Stubentiger durchs Bild um dann wieder in einigen schönen Sequenzen als ein furcherregendes Tier dargestellt zu werden. Vor allem die Gegenschnitte auf die stark herangezoomten Augenpaare der Darsteller und die des Tieres wissen durchaus zu gefallen. Überhaupt scheint Fulci, bekannt für das in seinem Oeuvre immer wiederkehrenden Motiv der riesig gefilmten Augenpaare, hier einen Overkill zu betreiben. Im Minutentakt hält und zoomt er immer wieder frontal auf die Augen seiner Protagonisten, daß es für den Fan zu einigen verwunderlichen Momenten kommt.

Vielleicht ein Versuch, nochmal etwas Mysterium zu betreiben, die Spannung hochzuschrauben und so gruselige Szenen zu komponieren. Leider will dies bei The Black Cat nie so richtig geschehen. Viel zu behäbig und schwerfällig geriet die Inszenierung um den vielsehenden Genrekenner hinter dem Ofen hervorzulocken. Da scheint sich Fulci schon fast von seinem mittelprächtig agierenden Cast anzustecken und verfällt in einen belanglosen Inszenierungsstil herab. Das es Fulci besser kann, nervenzehrende Spannungsmomente aufzubauen zeigte er unter anderem mit seinem Woodoo und auch einigen darauffolgenden Werken. Nur hier treten Probleme auf, überhaupt etwas Fahrt in das Konstrukt zu bringen. Auch Fans, die Fulci wegen seiner blutigen Eskapaden lieben, haben hier ein Nachsehen. Bis auf zwei bis drei Szenen blieb der Effektmacher ohne weitere Beschäftigung. Doch selbst hier war man recht verhalten.

Was bleibt ist ein relativ durchschnittlicher Horrorfilm mit einigen unglücklichen Beimengungen in den Stoff, die so nicht wirklich schmecken wollen. Wenigstens bietet man einige schöne Einstellungen, eine recht ansprechende Atmosphäre und einen guten Score von Pino Donaggio, bei dem vor allem das schöne Titelthema heraussticht. Allerdings ist dies sichtlich zu wenig für einen guten Horrorfilm. The Black Cat ist leider ein mauer, schwerfälliger Gruselstreifen der zu Fulcis Durchschnittsware gezählt werden kann. Nicht wirklich gut, aber auch nicht wirklich schlecht.

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Sieben Jungfrauen für den Teufel

Die Sommerferien neigen sich dem Ende zu und während einige Schülerinnen während dieser Zeit im St. Helena College, einem reinen Mädcheninternat, geblieben sind kommen die Lehrkörper - alte wie neue - zurück an die Schule. Doch mit den Lehrern hält auch der Tod Einzug im Internat, verschwindet doch zuerst die Schülerin Betty-Ann, nur um wenige Zeit später von Lucille, welche ein Verhältnis mit dem Reitlehrer Richard pflegt, aufgefunden zu werden. Doch als sie Richard ihren grausigen Fund zeigen möchte, ist die Leiche längst wieder verschwunden. Es geschehen weitere Morde und bald wird Lucille und der herbei gerufenen Polizei klar, das es der Mörder auf Lucille abgesehen hat.

In den ausgehenden 60ern war die italienische Giallo-Landschaft noch recht überschaubar, trotz das Mario Bava 1964 mit dem superben Blutige Seide nicht nur den Startschuß zu diesem äußerst ergiebigen Genre gab, sondern damit auch einen Blueprint für alle folgende Werke vorlegte. Während sich die Gialli gerade in den Boomjahren 1970 - 1974 mehr in Richtung des Thrillers bewegten, so waren die Filme in den 60ern noch eher mit dem literarischen Vorbild verbunden: Pulp-Krimis. Groschenromane. Für viele einfach nur "billiger Schund" auf ebenso billigem Papier niedergekritzelt. Doch schon Bava zeigte, wie man angeblichen "Schund" (was Blutige Seide natürlich in keinster Weise ist) in edle Bilder kleidet. Diesen Weg geht auch Tausendsassa Anthony Dawson mit seinem Giallo Sieben Jungfrauen für den Teufel.

Nicht ganz so pompös mit Licht, Farben und Einstellungen spielend wie dies eben Bava in seinem Film tat, aber dafür in wunderbarem 60er Jahre-Hochglanz verpackt erzählt Dawson reichlich verschmitzt eine spannende Geschichte, die sich erst nach und nach entfaltet um dann - wie der Täter - zuzuschlagen. Das selbst die vielleicht etwas behäbig erscheinende Handlung in der ersten Hälfte nicht langweilig wird, verdankt man den schnell sympathischen Figuren der verschiedenen Mädchen, wobei Protagonisten Lucille sogar noch von der Mitschülerin Jill ausgestochen wird. Diese ständig plappernde und sich in Fantastereien ergehende Hobbyautorin von eben jenen "Schundromanen" wächst mit laufender Zeit des Films zur leicht nervig erscheinden Göre zum heimlichen Star des Films heran. Voll und ganz nach Stoff für ihr Buch suchend, mausert sie sich zu einer kecken und recht süß erscheinenden Hobby-Detektiven heran, die die ganze Handlung über schön auflockert.

Wobei dies allerdings nicht heißen soll, das der Rest der schauspielernden Belegschaft negativ auffällt. Im Gegenteil. Dawson versteht es gut sein Ensemble so ins Licht zu rücken, das während der Geschichte man immer wieder hin und her gerissen ist, ob betreffende Figur nun Dreck am Stecken hat oder doch nicht in das Raster des Mörders fällt. Die eigentlich recht simple Kriminalgeschichte ergeht sich dabei nicht wie in späteren Gialli in tausenden Verstrickungen bzw. Storytwists, wird aber unter der Führung von Margheriti zu einem trotzdem spannenden Whodunit, welches selbst über die leichte Vorhersehbarkeit des Stoffs hinwegsehen läßt. Hierbei läßt sich streiten, ob dem Film die zum Ende hin gelegte falsche Fährte für das Endergebnis nicht sogar besser gewesen wäre. Hier wäre ohne weiteres ein etwas größerer Überraschungseffekt drin gewesen.

Trotzdem ist Sieben Jungfrauen für den Teufel ein wahrlicher leckerer Augen- als auch Ohrenschmaus. Sowohl die herrlichen Dekors und Ausstattungen versprühen wundervollen 60er Jahre-Charme, das nur noch vom Soundtrack getoppt wird, welcher ebenso voll und ganz den Zeitgeist des Jahrzehnts spüren läßt. Und gerade die mit den Jahren gereifte klassische bzw. altmodische Art des Films läßt einen atmosphärischen Giallo entstehen, welcher ausspart, sowohl was die Darstellung der Morde als auch die leichte Erotik angeht. Richtig in die Vollen gegriffen haben die Italiener erst in den 70er Jahren. Neben seinem Gothic-Horrorfilm Schloss des Grauens kann man Sieben Jungfrauen für den Teufel zu Margheritis besten Filmen zählen. Dieser Giallo ist in der Tat ein höchst vergnügliches Stück Eurocult-Kino.

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Einer gegen das Imperium

Das Leben als Vorsteinzeitlicher Abenteurer und Held könnte so schön sein. Blond, braungebrannt, unbekümmert und immer mit einem doofen Grinsen auf den Lippen stapft Yor durch die Botanik und ist immer in der richtigen Zeit zur Stelle. So hilft er auch der holden Ka-Laa und deren Ziehvater Pag aus der Presche, als diese von einem schlecht gelaunten Dino bedroht werden. Doch kaum ist das Vieh erlegt erfährt man auch schon, das Yor von der Frage beschäftigt wird, woher er eigentlich kommt. Einzig und allein ein übergroßes, krasses Blingbling-Goldstück um seinen Hals ist ein kleiner Hinweis auf Yors Herkunft. Als am Abend der Stamm von Ka-Laa und Pag bei Feierlichkeiten von blau angemalten Höhlenbewohnern angegriffen wird, dieser alles und jeden bis auf die Frauen - diese werden nämlich verschleppt - niedermetzelt, beginnt für Yor ein gefährliches Abenteuer, bei dem er allerhand übellaunige Bewohner verkloppen, Dinos auseinandernehmen, Frauen schöne Augen machen, Ka-Laa aus so manch brenzliger Situation, weiterhin doof durch die Gegend grinsen und vor allem etwas über seine Vergangenheit erfahren darf. Diese ist nämlich weitaus technisierter und hat was mit den "Göttern in ihren Feuergefährten" zu tun...

Wo irgendwo ein erfolgreicher Film in den Kinos gelaufen ist, waren wenig später auch unsere filmmachenden Freunde aus Italien zur Stelle. Kein Filmtrend, den sie nicht gewinnbringend ausgeschlachtet hätten und damit allerdings auch einige mal mehr, mal weniger gute Streifen zur Welt gebracht haben. Mit Einer gegen das Imperium schießen die freundlichen Mediterraner allerdings klammheimlich den Vogel ab. Im Entstehungsjahr kehrten die Jedi-Ritter zurück und ein Jahr vorher machte Arnold Schwarzenegger als muskelbepackter Barbar Conan eine recht ansehnliche Figur auf der Leinwand. Nun war in Italien das Geld entweder recht knapp oder aber der Wahnwitz ausgesprochen hoch, um dann sowas wie diese Schwarte zu machen. Man erkennt wohl schon durch die vorangegangenen Sätze, das man es hier mit einer irrwitzigen Mischung aus Star Wars und Barbarenfilmchen, die nach dem Conan-Erfolg recht beliebt waren, zu tun hat.

Über die Zielgerade wurde das Werk von Antonio Margheriti gebracht, der mit seinem Pseudonym Anthony M. Dawson noch etwas bekannter ist. Dawson, leider schon verstorben, hat so einige Klassiker auf dem Konto wie zum Beispiel den harten Kriegsactioner Jäger der Apokalypse oder den wirklich schönen und beachtlichen Gothic-Horror Das Schloss des Grauens. Und mit seinem Versuch einen Kannibalenfilm abzuliefern, Asphaltkannibalen, merkt man das Margheriti, der zwar schon fast jedes Genre bedient hat, am liebsten in der Actionecke zu Hause war. Auch in seinem Einer gegen das Imperium gibt es daher viel Haudrauf zu begutachten, was zwar einerseits keine Langeweile aufkommen läßt, dem Film aber auch nicht wirklich gut tut.

Man merkt schnell, das die Geschiche sowieso nur flottes Beiwerk darstellt, um Reb Brown als Yor einige Abenteuer zu bestehen zu lassen. Das ganze ist allerdings viel zu episodisch aufgebaut, so das ein richtiger Erzählstrang bzw. -fluss nicht wirklich aufkommen mag. Fahrig wirkt das, was Dawson da abgeliefert hat. Einerseits unterhält es zwar gut durch einen nicht zu unterschätzenden Trashfaktor, doch der finale Funke möchte einfach nicht auf den Zuschauer überspringen. Erst spät gewinnt der Film an Fahrt, wenn Yor endlich etwas über seine Herkunft erfährt und auch das titelgebende "Imperium" seinen Auftritt hat.

Gerade hier ist dann wieder die italienische Unbekümmertheit, verschiedene Stoffe zu einem zu vermischen und vor allem offensichtlich von großen Vorbildern abzukupfern zu spüren und zu sehen. Schon alleine die Cyborgs des "Großen", dem Herrscher des Imperiums, relativ lasch von Kultdarsteller John Steiner dargestellt, lassen einem da vor lauter Dreistigkeit die Kinnlade aufklappen. Wie die Lack-und-Leder-Variante eines Darth Vaders der sich mit seinen Stormtroopers gepaart hat, stapfen diese durch die Filmkulisse und machen Jagd auf die Protagonisten. Mit billigsten Tricks hetzt dabei Margheriti seine Darsteller durch die Handlung, bekommt es allerdings hin, das ganze mit dem nötigen Charme auszustatten, das der Film nicht in die "Übertrash"-Schublade eingeordnet werden muss. Trash ist und bleibt Einer gegen das Imperium zwar schon, allerdings eher mit gewissen Unterhaltungsgrad ausgestattet. Wäre die Story etwas runder und flotter erzählt und würde nicht allzu episodisch ausfallen, wäre es sogar noch vergnüglicher. So bleibt die Saga um Yor und Co. ein eher durchschnittliches Vergnügen.

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After Death - Das Böse ist wieder da

Auf einer kleinen Insel in den Tropen haben sich einige Forscher versammelt um eine Mittel gegen den Krebs und andere schwere Krankheiten zu finden. Nur doof, das sie dabei die hiesige Bevölkerung teils als Versuchskaninchen benutzen. Als die Tochter des Voodoopriesters stirbt, zischt dieser schnurstracks in die nächste Höhle, läßt einen Dämon mit Problemen beim Speichelfluss in seine Frau fahren und verflucht die Forscher. Zwanzig Jahre später kommen ein paar Ex-Soldaten mit ihren Mädchen auf die Insel, da ihr Boot mysteriöserweise den Geist aufgibt. Sowohl sie als auch eine ebenfalls auf dem Eiland befindliche Gruppe, die die vermissten Forscher sucht, machen schnell mit dem Fluch des Voodoopriesters bekanntschaft. Lebende Tote wandeln auf der Insel, immer auf der Suche nach neuen Opfern. Zusammen versucht man schnell, den Fluch zu beenden.
Der Regisseur Claudio Fragasso, der sich hier hinter seinem Pseudonym Clyde Anderson versteckt, ging bei niemand geringerem als dem italienischen Trashgott Bruno Mattei in die Lehre. Zusammen mit diesem verbrach er unter anderen den recht blutigen Spät-Italowestern Scalps sowie den durch seine trashigen Qualitäten sehr brauchbaren Zombieschocker Die Hölle der lebenden Toten. Alleine der nicht unumstrittene Name Mattei sollte qualitätsbewußte Fans aufschrecken lassen. Schaut man aber weiter in der Filmographie des Herrn Fragasso, so findet man ein Werk, das von vielen mit als schlechtester Film aller Zeiten angesehen wird. Troll 2. Jawohl, der Film, in denen Menschen von Goblins in Gemüse verwandelt werden, bevor sie verspeist werden. Spätestens hier sollte jeder mit schwachem Nervenkostüm, was die minderen Qualitäten eines Filmes angeht, sich schnell wieder qualitativ hochwertigere Kost zuwenden.

Denn hochwertige Horrorkost, das ist After Death mit Sicherheit nicht. Man merkt allein schon an diesem Film irgendwie, das Ende der 80er Jahre die italienische Filmindustrie ihrem Ende zu ging. Gerade auf dem Anfang des Jahrzehnt so blühenden Horrorsektor, man denke nur mal an all die Splatterepen eines Lucio Fulci, waren es zwar auch teils recht kostengünstig hergestellte Machwerke, welche allerdings mehr Flair und Charme mitbrachten, als Fragassos Zombiehatz. Die schnell hingeschluderte Story zeigt sich relativ holprig und uninspiriert, zitiert man hier doch eigentlich nur munter die bekannten, großen Untoten-Filme der letzten Jahre. Da werden munter Versatzstücke einiger Filme in den Kochtopf geschmissen, das Endergebnis allerdings halbgar dem Zuschauer vorgeworfen. Mit wenig Anstrengung erkennt der Fan zudem Szenen, welche an Fulcis Woodoo oder Romeros Day of the Dead angelehnt sind.

Wenigstens ging man schon 1988 - lange vor 28 Days Later und Co. - in der Darstellung der Untoten neue Wege. Auch wenn diese wie der Rest des Films recht billig und schundig wirken, so sind sie doch recht modern gezeichnet. Sie können rennen, springen, Waffen benutzen und sogar reden. Selbst hier zeigen sich aber Fragasso und das Skript inkonsequent. Es scheint in manchen Sequenzen gerade so, als hätten die Zombies ihre Fähigkeiten vergessen, präsentieren sie sich doch ab und an auch so wie man sie kennt: langsam umherwandelnd. Eventuell dachte man sich, das man so etwas Atmosphäre schaffen kann, was allerdings nur Irrglaube wäre. Mit schwacher Beleuchtung und einigen Schwaden aus der Nebelmaschine gelingt einem noch lange keine ansprechende Atmosphäre. Auf diese wartet man sowieso vergebens. Den Eindruck eines schnell heruntergekurbelten, müden Machwerks mit grausamen Billiglook wird After Death nie wirklich los.

Nur gegen Ende gelingt es Fragasso mit seinem garstigen Ende in der Höhle einen kurzen Lichtblick zu setzen. Doch hier wurde der Karren schon längst gegen die Wand gefahren. Vollkommen lustlos wird hier ein langweiliges Zombiespektakel mit höchsten Trashausmaße zelebriert. Dabei fügen sich auch die Mimen, welche mit entweder nicht vorhandenem Schauspieltalent oder Overacting zur Geltung kommen, schön in das Gefüge ein. Ein zusätzlicher Faktor, der dem Film bald jeglichen Schauwert nimmt ist ohnehin die dahingeschluderte deutsche Synchronisation, die mit zu dem grausamsten gehört, was man einem Film antun kann. Selbst der Begriff der "Pornosynchro" würde hier noch eher ein Kompliment darstellen. Qualitäten erreicht der auch als Zombie 4 bekannte Film nur als richtig übler Trashklopper, der durch unvermögen in der Regieführung und einer grausamen Synchronisation unfreiwillig komisch wirkt. Einzig und allein das von Al Festa, welcher sich übrigens für den grausam billigen Spätgiallo Fatal Frames verantwortlich zeichnet, komponierte Titellied - schön cheesig und alle musikalischen Grausamkeiten des 80er-Pop-Rock verkörpernd - ist eines der wenigen Dinge, die man wirklich gut an diesem Werk finden kann.

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Watchmen

Die USA Mitte der 80er Jahre: Richard Nixon ist Präsident und das politische Klima zwischen den USA und der UdSSR wird immer eisiger: der kalte Krieg und das atomare Wettrüsten scheint kurz vor der Eskalation zu stehen. Mitten in diesen Wirren wird der Comedian, ein ehemaliger maskierter Verbrechensbekämpfer, welche seit dem sogenannten Keene-Act verboten sind, umgebracht. Die maskierten Vigilanten sollten dabei entweder freiwillig oder unfreiwillig ihre Tätigkeiten aufgeben. Während der Comedian das Angebot annahm, für die Regierung zu arbeiten, hörten der als Night Owl operierende Dan Dreiberg oder Jane Jupiter alias Silk Spectre einfach auf.

Einzig und allein der verbitterte Rorschach zog sich in den Untergrund zurück um weiterhin Verbrechen nach seiner Art zu bekämpfen. Er geht auch dem Mord am Comedian nach und vermutet schnell eine Verschwörung. Er sucht seine alten Kollegen auf um diese zu warnen, doch viele halten seine Vermutungen für abwegig. Als dann jedoch auf den durch Offenlegung seiner Identität zu Geld gekommenen Adrian Veidt, der früher als Ozymandias unterwegs war, auch noch ein Attentat verübt wird und der ehemalige Superschurke Moloch ermordet wird, nehmen Rorschachs Vermutungen Gestalt an. Ist also wirklich jemand hinter den früheren Maskenträger her? Einzig und allein der nach einem Unfall zum Superwesen Dr. Manhattan mutierte Jon Osterman entfernt sich immer mehr von der Menschheit. Dabei wäre er für diese im Kampf gegen einen Atomkrieg für die Menschheit unheimlich wichtig und scheint irgendwo auch ein Teil im Puzzle der Verschwörung zu sein. Das Schicksal nimmt somit seinen grimmigen Lauf...

Der von Kultautor Alan Moore und Zeichner Dave Gibbons geschaffene, mittlerweile zum absoluten Kultwerk avancierte Comic Watchmen galt für lange Zeit unverfilmbar. Als zu komplex und vielschichtig galt der Stoff, den man gut und gerne als Epos bezeichnen kann. Umso mehr war die Fangemeinde gespannt, wie die gerade in den Kinos angelaufene Verfilmung ausfallen wird. Als Regisseur hat man den jungen und somit frischen, in einigen Kreisen aber auch recht umstrittenen Zack Snyder auserkoren, welcher unter anderem für das überraschend gut ausgefallene Dawn of the Dead-Remake und den optisch imposanten 300 verantwortlich zeichnet. Im weiteren Verlauf dieses Reviews wird auf einen ausführlichen Vergleich zwischen der Comic-Vorlage und dem Film abgesehen, da dem Autoren die Vorlage leider nicht bekannt ist. Das Augenmerk liegt also einzig und allein auf dem Film.

Und dieser ist für ein Publikum, welches bisher wohl nur die actiongeladenen Effektschlachten der Marke Spiderman, Iron Man, Hulk, X-Men und Co. gewohnt ist, wohl eine Ecke zu ruhig. Snyder nimmt sich Zeit mit der Einführung seiner Figuren und gibt ihren Lebensläufen angenehm viel Zeit, diese dem Zuschauer näher zu bringen. Schon der Vorspann wird dabei genutzt, die Geschichte der ersten maskierten Verbrechensbekämpfer ab den 40er Jahren in einem schönen comichaften Pulpstil zu erzählen. Zwar ist die Ermordung des Comedians auch schon ein kleiner Vorgeschmack auf die Action im Werk, der auch schon mit einigen furiosen Kamerafahrten und Effektszenen aufwarten kann. Doch dann drosselt Snyder das Tempo und führt uns mit der Figur des Rorschach in das düstere Universum der Watchmen.

Dieses behandelt Superhelden, welche sehr wohl mit einigen menschlichen Schwächen aufwarten und mit diesen zu kämpfen haben. Wobei hier das Wort Superheld beinahe schon übertrieben ist. Bis auf Dr. Manhattan verfügt keiner über angeborene oder im späteren Verlauf des Lebens erhaltene Superkräfte. Die in den engen Anzügen steckenden Leute nutzen ihre austrainierten Talente um die Arbeit der Polizei zu übernehmen. Bestes Beispiel ist hier zum Beispiel Night Owl, welcher mit seinem Outfit oder auch seinem Gefährt, dem Owlship, desöfteren an Batman erinnert. Ebenso Rorschach, welcher einzig und allein auf seine ausgeprägten Talente als Detektiv zurückgreifen kann. Anders als in einigen Comics oder Verfilmungen dieser sind die Helden nicht wirklich als solche zu erkennen, da diese teilweise wirklich dunkle Seiten aufweisen.

Das Heldenuniversum in Watchmen zeigt gebrochene, verbitterte und zynische Menschen, die eiskalt und nur aus reiner Freude Menschen töten, aus purer Langeweile Verbrechen bekämpfen oder auch mal eine Kollegin vergewaltigen. Eine wie ansonsten gewohnte Schwarz/Weiß-Zeichnung, dieser ständige Kampf zwischen gut und böse existiert hier nicht. Hier darf man auch nicht mit einem überbedrohlichen Superschurken wie in anderen Werken rechnen. Ihre größten Feinde sind hier teilweise die Helden selbst. Trotz all ihrer Schwächen versteht es aber Snyder gekonnt, die Protagonisten den Zuschauern näher zu bringen. Als zentrale Figur wurde hier Rorschach gewählt, einem ohnehin schon sehr faszinierenden Charakter, der auch durch diverse Off-Kommentare den ganzen Film über den Zuschauer näher in die Handlung einführt.

So werden auch sehr geschickt eingefügte Rückblenden verwendet, um noch mehr auf den Werdegang der einzelnen Figuren einzugehen. Dazwischen ist kaum Zeit für Action, und trotzdem verspürt man durch den düsteren Grundton von Watchmen eine allzeit vorhandene Spannung. Einigen dürfte diese zu langsam aufgebaut werden, dauert es doch eine gehörige Zeit, bis das gesamte, komplexe Storykonstrukt zum Punkt kommt und auch die Liebhaber zünftiger Actionsequenzen ihren Heißhunger auf eben diese stillen dürfen. Aber Watchmen ist sowieso nur zweitrangig ein Actionfilm. Snyder versteht es aber trotzdem auch hier, geschickt die Waage zwischen Handlungs- und Actionsequenzen zu halten. Die kleineren Einschübe wirken nicht deplatziert sondern sind aufgrund ihrer Intensität - auch hier wird der harte und rauhe Grundton des Filmes beibehalten - ein heftiger Ausbruch. Da werden auch Einschüsse, Kopfschüsse und Knochenbrüche so manches mal in aller Genüßlichkeit, teils sogar in Zeitlupe zelebriert. In einer rauhen und erbarmungslosen Welt muss dies wohl so sein und so gibt es wirklich teils einige wirklich sehr harte Szenen, die die 16er-Freigabe sehr lasch erscheinen lassen. Mag sein, das die Gewalt hier nicht an einem Stück auf den Zuschauer einprasselt sondern sich über den Film hinweg verteilt.

Watchmen ist somit noch viel mehr als ein einfacher Superhero-Movie, keineswegs ein tumber Popcorn-Film, auch wenn er trotzdem auf dieser Ebene funktionieren kann. Neben der Verschwörungsgeschichte um dem Mord am Comedian herrscht hier auch die Bedrohung des damaligen kalten Krieges vor, die Angst vor einem alles vernichtenden Atomkrieg und wirft somit Fragen über das Verhalten des Menschen in all den Jahren auf und zeichnet uns als sich selbst zerstörende Spezies aus. Dieser Konflikt zwischen den UdSSR und den USA, wie auch die Angst der Menschen, der Protagonisten, vor einem Atomkrieg ist ebenfalls ein weiterer großer Storystrang, der vor allem durch die herrlich faszinierende Figur des Dr. Manhattan einige philosophische Fragen über das Verhalten und den Werdegang der Menschheit aufwirft.

Dabei soll Watchmen allerdings auch nicht als ein getarnter Arthouse-Film gewertet werden, der überraschenderweise mit maskierten Leuten in engen Anzügen aufwartet. Hier fehlt es ihm dann doch etwas an Tiefe. Eventuell erreicht der Film dies auf DVD, da Regisseur Zack Snyder für die Auswertung auf dem Medium einen mehr als drei Stunden gehenden Director's Cut angedeutet hat. Dennoch besticht er durch seine größe, läßt einen Spüren das da hinter der Fassade einfach das gewisse etwas mehr ist. Der Gänsehautszenen erzeugen kann, allein auch schon durch einen anfangs erst ungewöhnlich wirkenden, aber dennoch sehr tollen Soundtrack geprägt ist. So kann man sich gar nicht an all den Details im Film satt sehen, versinkt immer mehr in diesem trotz all seiner fantasiereichen Ideen auch irgendwie immer real wirkenden Universum, welches wie der Comic selbst mit der Frage spielt, was wäre, wenn es Superhelden eben in unserer realen Welt existieren würden.

Snyder schuf hier einen komplexen, überlangen Film, der aber niemals auch nur im Ansatz so etwas wie Langeweile aufkommen läßt. Wenn man sich wohlgemerkt darauf einläßt, seine Erwartungen in Sachen Action herunterschraubt und auf die Reise durch die düstere Welt der Watchmen geht. Hier haben wir es wohl nach dem auch noch recht aktuellen The Dark Knight mit einer der besten und wichtigsten Comicverfilmungen der letzten Jahren zu tun. Ein düsteres Epos mit edel komponierten Bildern, die dieses Universum in all seiner Düsternis und Faszination erstklassig einfängt, welcher auch durch die Wahl weniger bekannter, aber gut aufspielender Mimen, noch einen Pluspunkt mehr hinzugewinnt. "Who watches the watchmen?" ist ein zentraler Satz, der als Grafitti sowohl in Comic als auch Film auftaucht. Hoffentlich so viele Zuschauer wie möglich. Der Film hat es mehr als verdient. Ein episches Heldengemälde, welches die gegensätzlichen Punkte Action und Tragik im Kontext einer Comicverfilmung brillant einfängt und einen überaus erhabenen und sehr guten Eindruck hinterläßt.

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Ein Loch im Dollar

Nach dem Ende des Bürgerkriegs zwischen Nord- und Südstaaten kehrt der Captain Gary O'Hara aus der Kriegsgefangenschaft zu seiner Frau Judy zurück, nur um dann blitzschnell doch wieder das weite zu Suchen. Nach Westen soll es gehen, um ein neues Leben anzufangen. Doch der Weg dorthin ist steinig. Nur mit einem Dollar in der Tasche macht Gary auch Stop im Wüstenkaff Yellowstone und wird auf seiner Suche nach Arbeit durch seine Südstaatenherkunft von allen Bewohnern angegiftet. Nur der reiche Geschäftsmann McCoy, dem der halbe Ort gehört, hat einen Job für ihn: er soll den Banditen Blackeye, welcher den Ort terrorisiert und McCoy erpreßt, ausschalten. Bei der Konfrontation im Saloon erkennt Gary in Blackeye seinen Bruder, den es nach der Entlassung ebenfalls in den Westen zog. Es kommt zu einem Schusswechsel bei dem Blackeye erschossen und Gary angeschossen wird. Zwar wird er von allen für tot gehalten, doch sein Dollar rettete ihm das Leben und fing die Kugel ab. Bald kommt Gary hinter die skrupellosen Machenschaften von McCoy der auch Gary nur ausnutzte, um seine Ziele zu verwirklichen. Gary nutzt all seine Cleverness, um sich an McCoy langsam aber sicher zu rächen.

Nach Adios Gringo war Ein Loch im Dollar der zweite Western des Mimen Giuliano Gemma, der in beiden noch mit dem Pseudonym Montgomery Wood angekündigt wurde. Es war die Anfangsphase der später so zahlreich produzierten Spaghetti-Western und bevor die Italiener dem Genre ihren eigenen Stempel aufdrückten, versuchten sie lieber, Filme mit stark amerikanischer Prägung zu produzieren. Wie für das Stiefelland üblich, verbarg sich dann fast der Filmstab hinter teilweise sogar recht obskuren (hier z. B. "Harry Horse") aber amerikanisch klingende Pseudonymen. Gemma, der vorher in einigen Sandalenfilmen mitwirkte und sogar eine kleine Rolle im Klassiker Ben Hur inne hatte, war mit seinem Strahlemann-Aussehen wie geschaffen für den kernigen, aber sympathischen Cowboy von nebenan.

Das schöne an Ein Loch im Dollar ist nun, das trotz aller Versuche amerikanisch zu wirken, der Film nicht wirklich seine ursprüngliche Herkunft zu verbergen. Auch hier sieht man schon eine grimmigere und rohere Umsetzung des Stoffs, der für die damaligen Hochglanzwestern mit Vorzeige-Cowboy John Wayne undenkbar gewesen wäre. Dabei gelingt es Regisseur Giorgio Ferroni, welcher bei Wanted nochmal mit Gemma zusammenarbeitete, aus dem an und für sich recht bekannten Stoff ein unterhaltsames Werk zu stricken. Daran ist auch Hauptdarsteller Gemma nicht ganz unschuldig. Schnell findet der Zuschauer in seiner Figur einen großen Sympathieträger, bei dem man auf seinem Weg durch sämtliche Gefahren mitfiebert. Auch wenn er als Gary O'Hara vielleicht noch einige Ecken und Kanten vertragen hätte, so ist die von vielen Fans des Genres kritisierte "Gelacktheit" Gemmas nicht bzw. nur in geringen Maßen vorhanden.

Die Figur des Gary gibt es auch in anderen Produktionen zu Hauf, in denen der Protagonist im Gegensatz zu anderen Charakteren mit einem überdurchschnittlich großem Talent und einer gesegneten Intelligenz gesegnet ist. Doch weder Ferroni noch Gemma lassen dies in allzu unglaubwürdige Gewässer abdriften. Gerade wenn O'Hara von der Rache an seinem Bruder getrieben wird, schlägt die schon angesprochene rohere Inszenierungsart des Stoffes wieder an. Wo der amerikanische Western nur andeutet oder abblendet, so hält auch Ferroni hier schon die Kamera starr auf das Geschehen und läßt dabei schon einige harte Actionszenen entstehen. Zudem gelingt es ihm den Stoff recht spannend umzusetzen, auch wenn man einige Handlungsstränge schon vorhersehen kann. Das dies trotzdem noch unterhaltsam und nicht ermüdend ist, zeugt vom Talent des Regisseurs.

Dieser hat es auch verstanden, das man als Zuschauer den Antagonisten schnell abgeneigt ist. Die über alles ragende Korruption in der jeder erwartete und unerwartete Charakter verstrickt ist, gerade in späteren Italowestern ein gern genommenes Motiv, ist hier von sehr ausgeprägter Natur, so das es gegen Ende hin noch eine kleine, unerwartete Wendung gibt, die Ein Loch im Dollar in Sachen Spannungsmomente zusätzlich noch einmal aufwerten läßt. Dies macht ihn zu einem guten und soliden Western eher gemäßigter Natur, dem man seine Herkunft trotzdem schon an einigen Stellen anmerken kann.

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Midnight Ripper

Nach einem Eifersuchtsstreit wird die Freundin des Polizisten Nicola tot in ihrer Wohnung aufgefunden. Während die Kollegen Nicola natürlich als Hauptverdächtigen ansehen und nach ihm fahnden, macht sich dieser zur Polizeitpsychologin Anna auf, um Hilfe von ihr zu erbitten. Bald geschehen weitere Morde, die die Polizei auch wieder Nicola in die Schuhe schieben will, da die Opfer auch mit ihm verstrickt sind. Währenddessen fällt Anna allerdings auf, das die Morde einem schon lange gestorbenen Serienmörder ähneln, über den sie ihre Doktorarbeit geschrieben hat. Als auch bald noch eine ihrer Schülerinnen, die Tochter des ermittelnden Kommissaren, und deren Freundinnen von dem irren Mörder verfolgt werden, muss die Polizei schnell handeln.

Lamberto Bavas Name löst bei Freunden des italienischen Genrekinos meist einen Gefühlszustand zwischen Mitleid und Gleichgültigkeit aus, wenn sie dessen Namen bei den Stabangaben eines Filmes erblicken. Der Sohn der italienischen Regie-Legende Mario Bava trat Ende der siebziger Jahre in die Fußstapfen des Vaters, welche Zeit seiner Karriere doch einige Nummern zu groß für ihn waren. Bava gelang es selten, einen begeisternden und mitreißenden Film zu schaffen und blieb meistens im Morast des Mittelmaßes stecken. Nur einige Werke, darunter sein Debüt Macabro - Die Küsse der Jane Baxter oder sein bekanntestes Werk, Dämonen, kann man als wirklich gute Filme von Bava Junior ansehen.

So kann der Filmfreund schon erahnen, in welche Richtung es leider bei seinem Spätgiallo Midnight Ripper geht. Auch hier verheddert sich Lamberto Bava in einer uninspirierten Story, deren Versatzstücke man nicht schon oft woanders gesehen hat, sondern mit etwas Gehirnschmalz auch bald weiß, wo lang der Hase im Filmfinale läuft. Bis dorthin bietet Lamberto Bava zwar routinierte Genrekost, doch dies ist für diesen Film und das Vergnügen des Fans vor dem heimischen Bildschirm leider etwas zu wenig. Seine beinahe schon biedere herangehensweise an den Stoff raubt dem Film bis auf einige kleine Momente jegliche Spannungsmomente, so das der Film die gesamte Zeit über friedlich vor sich hinplätschert.

Zudem passen sich auch andere Elemente schön an den durchschnittlichen Gesamteindruck des Filmes an, wie zum Beispiel die Darsteller. Auch diese wissen nicht mit richtigen guten oder richtig schlechten Leistungen zu begeistern, sondern wollten wohl wie auch bald der Zuschauer das Werk schnell hinter sich bringen. Selbst die aus anderen Genrefilmen wie Ghosthouse oder Tenebre bekannte Lara Wendel als Tochter des in den Mordfällen ermittelnden Polizisten verschafft es nicht, einige mimische Akzente zu setzen. Einzig und allein Soundtrack-Hexer Claudio Simonetti schenkte Midnight Ripper ein wirklich schönes Titelthema, welches auch ab und an nochmal im Film angespielt wird.

Im weiteren Verlauf und durch eine reichlich an den Haaren herbeigezogenen Auflösung, welche man zwar ebenfalls aus anderen Werken kennt, hier allerdings nicht so recht schmecken will, schafft es Bava hier einen unterdurchschnittlichen Thriller an den Mann zu bringen, der durch einige kleine Elemente auch als Spätgiallo angesehen werden kann. Bava machte bei Midnight Ripper einfach den Fehler, aus einem an und für sich unterhaltsam klingenden Stoff einen viel zu konventionellen Film zu machen, bei dem nur in einigen kleinen Szenen sein Talent aufblitzt. Dieses hat Bava nämlich in seiner Karriere als Regisseur nicht allzu oft entfalten lassen, was auch bei diesem Werk der Fall ist.

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