Das zweite Gesicht

Ein Kind verknüpfen wir als Erstes mit solchen Eigenschaften wie rein, unschuldig und wohlbehütet vor all dem oder den Bösen Dingen des Lebens. Das von diesen kleinen Geschöpfen, den nachwachsenden Generationen eine konsequente Bedrohung ausgeht oder direkt in diesen das Übel sitzt, ist seit Jahrzehnten ein Gedankenspiel Filmschaffender. Insbesondere der Horrorfilm kann mit solchen Werken wie Ein Kind zu töten... oder der bekannten Reihe um die Kinder des Zorns punkten. Gefühlt wohnt in der heutigen Zeit bei einigen der Kleinen schon heute der Teufel in ihnen, wenn Eltern, die selbst gerade dem Kindesalter entsprungen scheinen, merklich überfordert ihre Saat an "Arschlochkindern", all diesen Chantals und Kevins, der Gesellschaft aussetzen. Mit dem zum Synonym gewordenen Namen Kevin verknüpft man nicht nur weniger intelligente Kids oder Jugendliche, sondern einen Knirps, der mit seiner anarchischen Art Anfang der 90er die Kinokassen klingeln ließ. Macaulay Culkin wurde mit Kevin allein zu Haus und der Fortsetzung Kevin allein in New York zum neuen süßen Knuddelfratz. Davor sprang er dem Kinobesucher mit seiner Rolle in Allein mit Onkel Buck an der Seite von John Candy ins Gedächtnis; danach wurde die Schmachtstory My Girl ebenfalls ein profitabler Erfolg.

Was lag also näher, um den Massen ihren Liebling von einer neuen Seite zu zeigen? Im Thriller Das zweite Gesicht versucht Culkin gegen sein Image, ein rotzfrecher aber süßer und charmanter Bengel zu sein, anzuspielen. Dem Jungdarsteller gelingt dies leider nur bedingt. Seine Figur des Henry, der in einem krankhaften Eifersuchtsanfall den von seiner Familie aufgenommenen Mark versucht zu terrorisieren, bleibt stark oberflächlich. Das Build-up seines Charakters das hinter diesem (schon wieder) so lieben und freundlichen Jungen ein mordlüsterner Jungpsychopath steckt, wirkt bemüht und ist leider in den seltensten Fällen überzeugend. Der schwache Aufbau lässt die schockierende Wahrheit über den tragisch frühen Tod von Henrys Bruder Richard, leicht durchschaubar werden. Das Drehbuch müht sich, leichte Andeutungen zu machen, innerhalb der simpel konstruierten Geschichte entwickeln sie sich zu übergroßen Hinweisen, welche die Auflösung vorwegnehmen. Die morbiden Themen, über die der Junge mit seinem Cousin Mark, der nach dem Tod seiner Mutter von seinem Vater bei Henrys Familie geparkt wird um durch einen lukrativen Job Geld für die Beerdigung zusammenzukratzen, redet und seine makabren Spiele sind in Verbindung mit der glatten Fassade, die Hauptdarsteller Culkin besitzt, bemüht aber wirkungslos.

Man nimmt Culkin den boshaften, um seinen Willen zu bekommen über Leichen gehenden Jungen nicht ab. Es passt nicht zum Wesen des Jungens, der in den vorangegangen Filmen so leicht erscheint, weil er hier auch mehr er selbst und einfach Kind sein kann. Sein Schauspielpartner, der sehr junge Elijah Wood, schlägt sich entgegen anderer Stimmen besser. Man merkt seinen Hang, dramatisch und kurz vorm vom Schicksal erzwungenen Heulkrampf stehendes aufreißen der Augen, was er in Peter Jacksons Herr der Ringe perfektionierte, schon hier. Seiner Rolle kommt dies zu gute, wenn er als Mark verzweifelt versucht, Gehör bei Henrys Eltern zu finden, dass mit ihrem Sohn etwas nicht stimmt. Das Drehbuch lässt diese Rolle leider manchmal etwas aus dem Alter des Darstellers bzw. der Figur fallen und diese altklug erscheinen. Woods engagiertes Spiel schafft es dafür, dass Culkin für wenige Momente trotzdem bedrohlich wirkt. Diese sind in Joseph Rubens Film rar gesät, einsamer Höhepunkt ist Henrys Ausflug mit der kleinen Schwester zum Schlittschuhlaufen auf einem zugefrorenen See. Hier der stimmt der Einsatz an Spannung; das Timing ist ebenfalls passabel.

Dazwischen fühlt sich Das zweite Gesicht bieder an und wirkt wie eine TV-Produktion, die immerhin einige hübsche Landschaftsaufnahmen besitzt. Das sieht durchaus nett aus, hilft dem Film gesamt gesehen nicht weiter. Auf der Tonspur sieht es nicht anders aus. Elmer Bernsteins Score gniedelt ohne Unterlass und zwingt dem Film eine dramatische Note auf, welche die Geschichte niemals erreicht. An manchen Stellen stört das und weniger dick auftragen wäre weitaus mehr gewesen. Durch seinen Drehort, das herbstliche Maine, bekommt der Film wenigstens eine Atmosphäre wie sie auch einige Stephen King-Geschichten bzw. -Verfilmungen besitzen. Es ist eine der wenigen authentischen, glaubhaften Dinge des Films, der wie sein Star auf dem Filmplakat eine hübsche Mine aufsetzt, die spürbar gezwungen erscheint. Das zweite Gesicht dürfte schon damals nur im mittleren Alter befindliche Hausfrauen erschreckt haben, die von dem kleinen Zwerg so verzaubert waren und niemals geglaubt hätten, dass der Junge zu solch schrecklichen Taten fähig wäre.

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Get Out

Get Out traf im vergangenen Jahr den Nerv vieler Fans. Jordan Peeles Debüt als Regisseur dürfte wohl der gehypteste Genrefilm 2017 gewesen sein. Endlich wieder ein intelligenter Horrorfilm, der zudem ein brandaktuelles Thema aufgreift und daraus eine spannende Geschichte strickt, hieß es. Im Mittelpunkt derer steht ein junges Pärchen, Chris und Rose, deren erster Besuch bei Roses' Eltern seit Beginn ihrer Beziehung ansteht. Ist bei so einem ersten Treffen die Aufregung und die Frage, ob man von der Familie des Partners akzeptiert wird, ohnehin stark präsent, wird Chris doppelt von diesen Gedanken gemartert. Er brauche sich aber, so Rose, über seine schwarze Hautfarbe keine Sorgen zu machen. Ihre Eltern seien keine Rassisten. Nach ihrer Ankunft bei diesen scheinen Chris' Gedanken diesbezüglich vollkommen unbegründet. Was sich nach und nach ändert, als er zuerst die beiden schwarzen Hausangestellten sieht und bei einer Feier seiner Schwiegereltern in Spe auf deren Freunde, dem gehobenen Bürgertum entstammende, reiche Weiße, trifft die sich äußerst seltsam verhalten. Da ahnt Chris noch nicht im geringsten, wo er überhaupt gelandet ist.

Das Get Out, jüngst für den Golden Globe 2018 als bester Film in der Kategorie Komödie/Musical nominiert, überhaupt so hohe Wellen geschlagen hat, dürfte seinem Thema geschuldet sein. Der Rassismus, lange Zeit nur traurige Randerscheinung, rückte zurück ins Bewusstsein der Gesellschaft. Während auf dem europäischen Festland nationalistische und weit rechts zu verordnende Parteien wie die AfD, der Front National oder die Partei für die Freiheit viel Zuspruch einheimsen konnten, zog mit Donald Trump in den USA ein zwischen debilem Größenwahn und aggressivem Rechtspopulismus schwankender Mann als Präsident ins Weiße Haus ein. Schon davor wurden die Vereinigten Staaten von Unruhen erschüttert, Meldungen von willkürlich von der Polizei erschossenen Schwarzen geisterten immer wieder präsent durch die Medien. Trump wühlte mit seinem breiten Pflug aus Rassismus und Vorurteilen das Feld auf und säte erfolgreich einen egoistisch ausgelegten Nationalismus, der den einfach gestrickten Worten dieses Mannes auch aggressive Lösungen gegenüber der Bedrohung von Fremden befürwortete. Wenn eine Genreproduktion wie Get Out sich dessen zum Thema macht, klingt dies nicht nur kalkuliert, sondern durchaus auch als zur richtigen Zeit abgegebenes Statement.

Leider ist das Endergebnis bei weitem nicht so toll wie angenommen. Da kann man Stimmen, die den Film zum intelligentesten Beitrag des Horrorfilms für das Jahr 2017 machten, erschreckend finden. Bedient sich Get Out leider sehr unangenehmer Klischees, die sich im Verlauf des Films so widerwärtig ausbreiten, das jeglicher gute Ansatz des Films zunichte gemacht wird. Was zu Beginn mit einer unangenehmen Stimmung zu gefallen weiß, wird im weiteren Verlauf ein schematisch zu bekannt aufgebautes "Strike Back"-Szenario. Wenn man wie in der ersten Hälfte darauf vertraut, eine dichte Atmosphäre aufzubauen, die langsam und kurz unangenehme Andeutungen aufblitzen lässt, funktioniert Peeles Werk ziemlich gut. Man fühlt sich wie Chris unbehaglich und hat ständig im Hinterkopf, dass etwas sehr seltsames vor sich geht. Lässt das Drehbuch dann nach und nach die Hüllen fallen und dreht nach seinem langsamen Aufbau auf, bedient man sich leider gängiger Muster, die weit über dem Verfallsdatum sind. Der psychisch ausgeübten Gewalt, der versuchten Manipulation wird eine blutrünstige, gnadenlose Vendetta entgegen gestellt als wollten die Drehbuchautoren dem weißen Establishment und allen anderen Rassisten den Krieg erklären.

Deren aufgedeckte Motivation, wieso man nun nach den physischen wie psychischen Vorzügen der Schwarzen giert, ist unglaubwürdig und ein zu schräger Gedankengang, dass er zu dem vormals aufgebauten Szenario passt. Das man zudem das weiße Establishment und das gehobene Bürgertum angreift, sie als in die Gegenwart gesetzte Pervertierung dessen zeigt, was früher die reichen Farmen- und Plantagenbesitzer in der Zeit vor dem Bürgerkrieg waren, erscheint billig. Das weitaus größere Klischee ist leider das Bild der Schwarzen in Get Out. Wenn ein Film clever sein will und hier gängige Vorurteile und Klischees bedient, wie sich der "behütete" oder es nicht besser wissende Weiße diese eben vorstellt, ist dies im Endeffekt mehr unangenehm und dumm. Trauriger Höhepunkt ist Chris' bester Freund, der einer schlechten Komödie entsprungen zu sein scheint. Der durch diesen eingeschobene Humor ist komplett fehl am Platz und störend. Jeglich gewollter und mühsam aufgebauter Ernst wird mit seinem Auftauchen im Finale zunichte gemacht.

Bedauernswert an Get Out ist der Umstand, dass er ab der zweiten Hälfte sein gewiss vorhandenes Potenzial an die Wand fährt. Seine politische Brisanz, die der Stoff im Ansatz besitzt, wird zu einem ausgelutschten Horrorthriller der letztendlich eine üble Bauchlandung im wüsten Sumpf der Durchschnittlichkeit hinlegt. Wenn Chris gegen die Rassisten zurückschlägt, ist selbst die damit aufkommende Katharsis auf empathischer Ebene für den Zuschauer fast nicht vorhanden. Die aufgebaute Beziehung zwischen Protagonist und Rezipienten lässt man fallen um dem Publikum das zu geben, was es in solcher Situation erwartet: Blut und gnadenlose Rache. Das riecht nach einem Zugeständnis für ein breiteres Publikum, dem 08/15-Gucker, dessen Erwartungen damit befriedigt werden. Aus dem Intelligent wird ein Pseudointelligent und ein Schwanz einziehen der Macher, um aus Get Out wirklich einen schlau erzählten Film zu machen, der von der sorgfältig aufgebauten ersten Hälfte vor einem Totalversagen gerettet wird. Ansatzweise ist zu spüren, dass die benutzten Klischees dazu hätten führen können, den angeprangerten Rassismus innerhalb der Gesellschaft als selbstzweckhaftes Mittel zu nutzen, um einen Horrorthriller unter vielen mit vermeintlich realistischem Anstrich zu schaffen. Es nützt nichts, aktuelle Themen im Subtext des Genrefilms zu verarbeiten, wenn diese so klischeehaft überzeichnet werden. Es ist immer schön, wenn man in solchen "speziellen" Filmen Gesellschaftskritik herauslesen kann. Ärgerlich wird es erst dann, wenn wie bei Get Out diese nicht richtig ankommt, weil die vermeintlichen intelligenten Messages zwischen den Zeilen wie Seifenblasen zerplatzen.

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Die Rache des Paten

Bemüht man Google um Informationen über Andrea Bianchi stößt man auf ein Bild des Regisseurs, der darauf ein wenig so aussieht, wie sich seine Filme anfühlen. Auf den ersten Blick bemüht seriös, nach längerem Hinsehen bemerkt man eine latente Schmierigkeit. Schmutz schimmert durch die mühsam aufrecht erhaltene Seriosität. Bianchi wirkt abgekämpft, ausgelaugt und an einem Punkt angelangt, an dem er für Geld (fast) alles machen würde. Der italienische Regisseur gehört nicht gerade zu den Meistern seines Faches und wird sogar in Fankreisen des öfteren Nase rümpfend betrachtet. Seine Filme polarisieren, stehen sie doch für schnell und möglichst billig heruntergekurbeltes Unterhaltungskino, welches sich einen Dreck um künstlerischen Anspruch oder Message kümmert. Das sind 101 Prozent Exploitation und Filme wie der immer wieder an der Pornografie schrammende, dauerberammelte Exorzisten-Rip Off Malabimba oder der schnell auf die damalige Zombiewelle aufzuspringen versuchende Die Rückkehr der Zombies, der noch nie so spaßig inhaltslosen Matschesplatter präsentierte.

Nach vielen Jahren, in denen ich nur eventuell verklärte Liebesbekundungen im Internet las oder von Freunden hörte, war endlich - dank der jüngst erschienenen Blu Ray von filmArt - die Zeit gekommen, eine Lücke zu schließen und Bianchis Die Rache des Paten anzuschauen. Meine Erwartungen waren so gut es durch seinen ihm vorauseilenden Ruf ging, auf ein Minimum zurückgeschraubt. Ich mag seinen Zombiefilm und auch sein sleaziger Giallo Die Nacht der langen Messer bereitet mir viel Freude. Die niedrig gesteckten Erwartungen wurden übertroffen und meine Meinung über das limitierte Talent Bianchis Lügen gestraft. Sein mit schmalem Geldbeutel realisierter Poliziottescho entpuppt sich als sein am sorgfältigsten umgesetzter Film. Der prägnante Score, mit für das Genre ungewohnte Instrumenten wie einer Maultrommel umgesetzt, untermalt zu Beginn eine aus dem Wageninneren heraus gefilmte Autofahrt. Die vorbeirauschenden Landschaften schaffen zusammen mit der Musik eine leichte Atmosphäre, die Bianchi innerhalb weniger Minuten durch einen plötzlichen Unfall der Wageninsassen samt erster Brachialeffekte zunichte macht.

Kurz darauf folgt die erste Geschmacklosigkeit, über die sich auch die örtlichen Mafiachefs des Films echauvieren. Das im Auto befindliche Kind war nicht nur schon längst tot, sondern auch befüllt. Schergen des unverfrorenen Unholds Don Ricuzzo nutzen Kinderleichen, um ihr Heroin durch die Lande zu schmuggeln. Das sowas ehrenloses nicht zum Mafiaehrenkodex passt, stellen die Vertreter verschiedener Mafiaclans schnell fest und entsenden den richtigen Mann, um Don Ricuzzo auszuschalten: Toni Aniante ist ein Italo-Amerikaner, frisch aus den USA zurückgekehrt um im Land des Stiefels aufzuräumen. Aniante stellt schnell klar, dass mit ihm wortwörtlich nicht gut Kirschen essen ist; die von ihm gekaperte Ladung an frischem Obst entlarvt sich geschwind als weitere Drogenschmuggelei. Toni macht zuerst gemeinsame Sache mit Don Turi, um sich dessen Unterstützung im Kampf gegen Ricuzzo zu sichern. Im weiteren Verlauf wechselt Aniante absichtlich oder gezwungenermaßen die Seiten zwischen Turi und Ricuzzo um diese gegeneinander auszuspielen und die Männer des verhassten Mafiabosses auszuschalten.

Sowas könnte zu einem Gangsterfilm unter vielen werden; setzt man die rosarote Fanbrille ab, ist Die Rache des Paten dies auch. Seine Besonderheit besteht darin, wie hübsch Bianchi hier die Geschmacklosigkeiten und unglaublichen Momente verpackt und sich frech bei der Geschichte von Für eine Handvoll Dollar bedient. In Bianchis Schmalspur-Gangster-Epos ist der lachende Dritte, der zwei Clans gegeneinander ausspielt, kein Fremder ohne Namen oder Hintergrundgeschichte. Toni Aniante wird knapp und prägnant vorgestellt, macht wie Clint Eastwood in Leones legendärem Italowestern mit beiden Parteien gemeinsame Sache um dann allen menschlichen Schwächen zum Trotz, die bei jeder näher beleuchteten Figur herausgearbeitet wurde, der vermeintlich guten Seite beizustehen. Diese Entscheidung ist für das manchmal löchrige Drehbuch, dass die Geschichte in grob zusammengehaltenen Episoden erzählt, ein Gewinn. Diese erzählerische Variation mag nicht die raffinierteste sein, lässt Die Rache des Paten im Gesamten eigenständiger und nicht als bloße Kopie eines großen Vorbildes wirken.

Was das Drehbuch und Bianchis schludrige Regie nicht schaffen, macht der Film mit seinen Darstellern, einzelnen Szenen voller entfesselter Hemmungslosigkeit in Gewalt- und Figurendarstellung und seinem Drehort wett. Der in Ligurien gedrehte Film wird im Vergleich mit anderen Poliziotteschi zu einem erfrischenden Kontrast; die Drehorte erinnern manchmal sogar an süditalienische Dörfer. Eine schöne Abwechslung zu den meist in den reichen, dicht bevölkerten Städten des italienischen Nordens spielenden Polizeifilmen. Die ländliche Umgebung wird zum Stellvertreter der verfallenen, staubigen Ansammlungen an Bretterbuden, die im Italowestern eine Stadt zu bilden versuchen. Die Landsitze der beiden Mafiosi sind mit den Ranches der Bandenbosse gleichzusetzen. Was Bianchi ohne mit der Wimper zu zucken an ungeheuerlichen Dingen präsentiert, lässt Die Rache des Paten zum Citizen Kane des italienischen Exploitationkinos mutieren. Gut und Böse werden beinahe aufgelöst, Bianchis Kosmos wird von unmenschlich agierenden Figuren bevölkert, die ihre Menschlichkeit und Empathie am Rande durchblitzen lassen. Die vom Italowestern etablierte Zuwendung zu einem Antihelden wird hier auf die Spitze getrieben.

Toni Aniante, herrlich steinern von Henry Silva gemimt, ist ein nicht zimperlicher Genosse, dessen Werte dem alten System seiner Bosse entspricht, der dieses mit gleicher Gnadenlosigkeit wie seine Gegenspieler verteidigt. Er ist nicht gerade zurückhaltend bei der Verteidigung moralischer Werte innerhalb der Mafia und geht in seiner Entschlossenheit über Leichen. Das Aniante dabei immer wieder mit einem geheimnisvollen Pfeifen angekündigt wird, lange bevor er das Bild betritt, unterstreicht die Nähe des Films zum Italowestern. Diese findet man auch in den hübschen Bildern von Kameramann Carlo Carlini, welche die Bildsprache des Genres aufgreift und diese in ein Buket aus Gewalt und landschaftlicher Schönheit bettet. Nach den überästhetisierten Symbiosen aus Blut, Brutalitäten und Hochglanzbildern des Giallo schafft es (ausgerechnet) Andrea Bianchi, auch das stark sleazige Exploitationkino, den schundigen Orkus des Films, der bisher trist und trostlos von Gewaltspitze zu Gewaltspitze und Sexszene zu Sexszene eilte, einen gewissen Stil zu verleihen. Da wirken Szenen, in denen Henry Silva die hübsche Barbara Bouchet mit einer Gürtelschnalle verprügelt, sie in einer Küche beim Akt brutal in eine von der Decke hängendes, ausgenommenes Schwein hineinvögelt, er längst tote Handlanger von Don Riccuzo nochmal mit einem Bulldozer überrollt oder Don Ricuzzos Liebesspiele mit seiner Prostituiertengattin nicht komplett schäbig und schundig.

Wirken diese Szenen im ersten Moment ob ihres stumpfen Charakters überraschend und überzogen, entfalten sie auf längerer Sicht eine beinahe epische Wirkung. Bianchi und sein Team griffen nach klassischem Stoff, der in ihren Händen zu Schund der schönsten Sorte wird. Der Italiener hätte öfter mit einem Team arbeiten sollen, welches wie hier seine Schwächen in der Erzählung der Geschichte mit ihrem Einsatz an Kamera, Schnitt und Musik kaschieren kann. Mit gut aufgelegten Darstellern gewinnt die manchmal unübersichtlich werdende Geschichte, die eigentlich so einfach aufgebaut ist, durch die Kraft ihrer einzelnen Szenen. Jedes kleinste Detail, wie zum Beispiel die Sturzbäche, die Silva während des Films zu schwitzen scheint, wird zu einem weiteren, feiernswerten Moment. Ich meine Christian Keßler war es, der irgendwann über Bianchi schrieb, dass er ruhig mehr Filme hätte machen können. Dem kann ich nur beipflichten. Nach der Sichtung von Die Rache des Paten hätte ich mir von ihm ruhig auch mehr Poliziotteschi oder ruhig auch einen Italowestern von ihm gewünscht. Es sind Genres, die dem Italiener wohl sehr gelegen hätten. Doch es kam nicht so. Dafür kann man sich mit bestem Gewissen diese kleine Sternstunde des italienischen Exploitationfilms anschauen. Bianchi schuf mit diesem Film nicht nur einen tollen, unglaublichen und vollkommen positiv widerwärtigen Poliziottescho der im Kern ein verkappter Italowestern ist, sondern - das stellt Keßler auch im Booklet des filmArt-Releases fest - auch eine gut 90-minütige Antwort auf die Frage, was das italienische "Schund"- bzw. Genrekino so liebenswert macht.

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Baby Driver

Irgendwie habe ich damals, in der Ankündigungsphase von Baby Driver, verschlafen oder übersehen, dass er von Edgar Wright ist. Ich mag seine Filme Shaun Of The Dead und Scott Pilgrim vs. The World und hätte mir den Film wohl schon viel eher angesehen. Die Trailer sahen in Ordnung aus, weckten allerdings in keinster Weise mein Interesse. Das kam erst durch die vielen positiven Stimmen, die ich dann u. a. auf letterboxd lesen konnte. Sollte das wirklich der Actionfilm 2017 sein? Der Streifen, der in diesem Jahr am coolsten ist? Noch nicht angeschaut, wuchsen in mir Zweifel, ob das wirklich so stimmt. Ob man das bestätigen kann. Geschmäcker sind bekanntlich verschieden und gerade bei letterboxd finde ich es immer wieder erstaunlich, wie Meinungen zu Filmen auseinander gehen können. Dank einer Aktion von Google Play konnte ich mir nun selbst ein Bild vom Film machen und hab ihn mir für gut 1€ Leihgebühr via VOD angesehen.

Ein erster Gedanke zum Film war, dass Edgar Wright nun ebenfalls auf den Retrozug aufspringen möchte. Die im laufenden Bild eingewobenen Credits erinnern an Titel von Filmen aus den 70ern; die Story von Baby Driver orientiert sich an Heist- bzw. Gangsterstreifen des gleichen Jahrzehnts. Hier handelt es sich glücklicherweise nicht um den x-ten Film, der sich ganz trendy als Werk aus einem vergangenen Jahrzehnt ausgibt. Viel mehr webt Wright seinen "vintage stuff" in die narrative und gestalterische Moderne ein. Die damit entstandene Symbiose aus alt und neu ist rein technisch gesehen vollkommen überzeugend. Wright war und ist ein detailverliebter Regisseur, der auch gut und gerne - wie zum Beispiel Quentin Tarantino - in seine Werke (sehr) viele Anspielungen auf von ihm geliebten Stoff einbaut. Bei Baby Driver ist das die Musik, welche über die Laufzeit zu einem ständigen Begleiter wird.

Wie für den Zuschauer, ist sie auch für Baby, den Protagonisten von Wrights Geschichte, dauerhaft präsent. Durch einen Autounfall im Kindesalter leidet er an einem störenden Tinnitus, den er mit der Dauerbeschallung, er hat sogar für die unterschiedlichsten Stimmungen andere iPods in der Schublade, bekämpft. Seinen Lebensunterhalt bestreitet der bei seinem taubstummen Pflegevater Jonathan lebende Jungspund als Fahrer bei äußerst heißen Jobs: er lenkt die Fluchtwägen bei Überfallen, die vom Gangsterboss Doc organisiert werden. Sein letzter Coup bevor er von Doc in die Freiheit entlassen wird (mit den Aufträgen zahlt Baby Schulden bei diesem ab), ist mit Komplikationen verbunden. Zum einen ist da der von Doc angeheuerte, unberechenbare Bats, der sich als tickende Zeitbombe entpuppt und die hübsche Debra, die Baby in einem Diner kennenlernt. Alleine wegen dieser sehnt sich Baby nach der baldigen Freiheit, doch durch seine Prinzipien und den durchgedrehten Bats rückt diese während den Vorbereitungen zum nächsten (letzten) Auftrag und bei diesem selbst in weite ferne.

So state of the art Wrights Baby Driver auch ist, spürt man seinem Film an, dass dieser zu einem gewissen Teil eine Huldigung der 70er Jahre ist. Ist dies auf der Tonspur ein interessanter Wechsel zwischen modernen Songs und Soul- und R'n'B-Klassikern Motowns, so ist es in der Geschichte selbst die Zeichnung seiner Figuren. Es sind zeitlose Stereotypen, die über die Jahrzehnte hinweg immer wieder in großen wie kleinen Produktionen auftauchten. Mit Baby selbst haben wir einen Heroen, der in sich gekehrt ist, in der ersten Hälfte beinahe nur One-Liner raushaut, mit einer Sonnenbrille seine Coolness unterstreicht und im optischen Auftreten an jugendliche Querschläger aus Klassikern vergangener Jahrzehnte erinnert. Leider ist Ansel Elgort ein Milchgesicht; ein hübsches, der die weiblichen Zuschauer sicher zum Schwärmen bringt und bei diesem mit seinem Gebahren einschlagen kann. Leider ist er eben kein zweiter Steve McQueen. Elgort steht auch für das größte Problem des Films: das, was wir da sehen ist hübsch anzuschauen, es ist auch richtig cool, aber nicht komplett greifbar. Wrights neuester Film bleibt distanziert und unnahbar.

Der Funke mag zu keiner Zeit richtig überspringen. Wrights spürbare Leidenschaft und Hingabe erstreckt sich in kleine, tolle Details, der Soundtrack macht Laune und schon lange ging dieser mit den gezeigten Bildern keine so tolle Symbiose wie hier ein. Da schießen Waffen im Takt des gespielten Musikstücks, eine Verfolgungsjagd ist im Rhythmus des untermalenden Songs geschnitten: das ist großartig und wird mit Respekt und Anerkennung zur Kenntnis genommen. Wieso das Herzblut, welches der Regisseur merklich in seinen Stoff gesteckt hat, nicht bis zum Zuschauer ankommt, ist schwer zu beantworten. Die Detailversessenheit Wrights könnte man mit dem gleichen Problem vieler Tarantino-Produktionen gleichsetzen: beide Macher finden das selbst alle unglaublich gut, feiern sich selbst dafür und werden von einigen Fans deswegen gefeiert, aber es fehlt eine letzte Leichtigkeit und Unbeschwertheit, die den Stoff mit seinen vielen Referenzen lebendig machen. Oft stellen die Kriminellen im Film die Frage, ob Baby Driver zurückgeblieben ist, weil er so stumm, in sich gekehrt und zurückhaltend ist.

Der coole Fahrer offenbart sich dem Zuschauer erst nach und nach, wenn mit Debra die Liebe in sein Herz einzieht. Der Junge, so lernen wir, kann ja doch lächeln und Gefühlsregungen zeigen. Diese Gefühle gehen im chic der Inszenierung und dem gewollten Stilwillen zwischen überkonzentrierter Coolness und Hommage leider unter. Baby Driver ist nicht wirklich schlecht. Technisch ist das sehr hohes Niveau, die vielen Einfälle locken mehr als einmal ein Schmunzeln oder wenigstens anerkennendes Nicken hervor. Seinem Hype wird der Film nicht gerecht. Was nützt all' diese Brillanz in Technik und Stil, wenn dafür zu wenig Gefühl im Spiel ist? Das Wright das anders kann, zeigt sein Scott Pilgrim. Baby Driver selbst ist leider einfach nur eine zugegeben rasante Actionstory, die mit ihrem halben Blick zurück um den Verve alter Zeiten in die gegenwärtige Filmsprache zu zwängen, emotional an die Wand fährt. Bedauerlich, da Wrights Film viel an Potenzial mitbringt, wirklich ein instant classic des modernen Actionfilms zu werden. Leider wird er so nur einer unter vielen, mit einem dafür sehr coolen Soundtrack. Das ist insgesamt gesehen zu wenig für einen komplett überzeugenden Film.

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The Horror of Christmas - Meine filmischen Weihnachtstage 2017

Wenn man nicht in den letzten Tagen, Wochen oder Monaten richtig ausspannen bzw. ausschalten konnte, so laden Heiligabend und die zwei Weihnachtstage dazu ein, einen oder mehrere Gänge zurück zu schalten. Gilt Weihnachten doch als Fest der Besinnlichkeit, das zum Innehalten einlädt und den Blick auf das Wesentliche damit zurechtrücken sollte. Die Familie kommt zusammen, man kümmert sich (endlich?) wieder einmal um seine Lieben und lässt die Unannehmlichkeiten des Alltags der restlichen Tage vor der Tür. So ist jedenfalls die Vorstellung eines perfekten Weihnachtsfestes, welches die damit verbundenen Stressfaktoren vor und während der Feiertage schön außen vor lässt. Konsum und damit verbundener Stress? Sich den Kopf zermartern, was man selbst um sieben Ecken mit einem verwandten Menschen schenkt, die man nur einmal im Jahr sieht? Essensverschwendung und entgegen des christlichen Gedankens des Festes sich einer der sieben Todsünden, der Völlerei, hingeben? Wo kommen wir denn da hin! Weihnachten ist das Fest der Liebe, wie uns die Werbe- und Filmbranche suggerieren wollen.

Kaum verwunderlich, dass der Horrorfilm seit vielen Jahrzehnten das Fest der Feste für sich entdeckt hat. Genüsslich und mehr oder weniger gekonnt, versuchen Filmemacher mit ihren in der besinnlichen Zeit spielenden Schockern, dem Fest der Liebe seinen Glanz zu nehmen. Über die Jahre wurde mir Weihnachten immer gleichgültiger. Es mag damit zusammenhängen, dass mit dem Tod meines Vaters die familiären Traditionen zu dieser Zeit zum Erliegen kamen. Es waren irgendwann einfach Feier- und freie Tage, mehr nicht. Mittlerweile hat sich mein früher noch jährlich wachsender Groll gegen Weihnachten reduziert. In diesem Jahr kam tatsächlich eine kleine Freude auf die Zeit in mir auf, was sicherlich auch durch ganz andere Lebensumstände als damals zustande kommt. (Neue) Traditionen hielten Einzug. Eine davon ist es, dass ich es mir freudig daheim vor dem Fernseher gemütlich mache um, ab Heiligabend, Horrorfilme mit Weihnachtsbezug zu schauen. In diesem Jahr schaffte ich es auf insgesamt fünf Filme, die aus den besinnlichen Tagen eine Zeit des Terrors und Horrors machten.

Den Anfang machte am 24. Dezember, von der Familie zurückgekehrt, Krampus, welchen ich bei seinem Release schon im Kino sah. Meine Erinnerung machte aus ihm einen besseren Film, als er eigentlich ist. Man sollte dies allerdings nicht falsch verstehen. Der von Michael Dougherty geschaffene Film, der sich dem u. a. aus dem Ostalpenraum stammenden Begleiter des Nikolaus widmet, ist durchaus sehenswert. Leider kann er sich nicht entscheiden, was er sein möchte. Für eine reine Komödie wird sein Grundton zu düster, als reiner Horrorfilm ist er trotzdem nicht ernst genug. Am Besten funktioniert Krampus in seinen ersten zwanzig Minuten. Dort konzentriert man sich darauf, den ganzen Weihnachtsätz schön beißend durch den Kakao zu ziehen. Begonnen mit einer wunderbaren Titelsequenz, die den ganzen weihnachtlichen Konsumterror in einem Supermarkt in Zeitlupe, untermalt von Bing Crosby, hübsch überspitzt darstellt. Auch das Eintreffen des scheinbar leicht zurückgebliebenen, einfachen Familienteils zeigt schön den Nachteil der Weihnacht, dass man sich plötzlich auch mit unliebsamen Teilen der Familie herumschlagen muss. Als dann durch einen zerrissenen (weil entdeckten und am Esstisch hämisch laut vorgelesenen) Wunschzettel der Glauben an die wahren Werte der Weihnacht fallen gelassen wird und der Krampus erscheint, beginnen die Probleme. Während sich die Protagonisten mit der titelgebenden Kreatur und ihren Helfern herumschlägt, wird der Film selbst zu einem Wechselbad der Gefühle.

Einige Ideen sind richtig witzig, kreativ und herrlich umgesetzt; die düstere Atmosphäre ist dicht und ansprechend und dazu bietet Krampus eine der schönsten umgesetzten Rückblenden ever. Leider ist der Film in letzter Konsequenz weder Fisch noch Fleisch. Der Horroranteil wird durch die komödiantischen Einsprengsel stark verwässert, wobei diese wiederum nicht stark genug ausgearbeitet sind, um dieses Manko auszubügeln. Dazu kommt, dass sich Krampus im weiteren Verlauf furchtbar vollgestopft anfühlt. Immer passiert etwas und eine neue Idee wird präsentiert, als mussten alle unbedingt in den Film untergebracht werden. Weder der Zuschauer noch die Protagonisten kommen zur Ruhe. Hier wird eher unabsichtlich ein weiterer Kritikpunkt am Fest aufgenommen. Letztendlich wird Krampus dadurch einer dieser Filme, bei denen man nach dem Urteil, dass er recht gut ist, unweigerlich ein großes "aber" setzten muss. Ohne wenn und aber kann ich dafür dem zweiten Film, A Christmas Horror Story, konstatieren, dass er ein Totalausfall ist.

Der Episodenfilm macht leider den Fehler, dass er seine Geschichten nicht hintereinander, sondern parallel erzählt und immer zwischen seinen Erzählungen hin und her springt. Was passiert ist, dass die Episoden merklich künstlich aufgebläht wirken um sie lang genug zu halten. Damit verbundene Clifhanger, bevor zur nächsten Story gesprungen wird, sind furchtbar konstruiert und alles andere als spannend. Das lässt jegliches, wenn auch nur geringes, Potenzial des Films und seiner einzelnen Erzählungen, erlöschen. Am deutlichsten wird dies bei der ersten Episode um drei Schüler, die für ein Projekt eine Dokumentation über einen vor einem Jahr an ihrer Schule stattgefundenen Doppelmord drehen. Zu keinster Weise schafft es das Drehbuch, die ausgelutschte Geistergeschichte interessant zu halten. Am besten funktionieren noch die Geschichten über einen ausgebrannten Familienvater, der mit seinen Lieben eine Tante besucht um sie anzupumpen um dann in den nächsten Stunden vom Krampus heimgesucht zu werden und die über Santa Claus höchstpersönlich, der von seinen zombiefizierten Elfen verfolgt wird. Diese hat auch die beste und eine schön überraschende Auflösung. Dazwischen schlagen sich Eltern mit ihrem wesensveränderten Sohn rum, nachdem dieser beim heimlichen Schlagen des Weihnachtsbaums auf einem Privatgrundstück kurz verloren ging. Ich mag Episodenfilme sehr, die Idee der Macher, die Geschichten gleichzeitig wie mehrere Storylines eines Films mit durchgängiger Geschichte oder einer Serie zu erzählen, mag theoretisch toll sein. Praktisch ist dies mangels Talent und zündenden Ideen des Buchs eine einzige Qual.

Nach kurzer Pause mit einem thematisch nicht an Weihnachten spielenden Films widmete ich mich am Abend des ersten Feiertags wieder der Tradition und schloss eine Lücke. Der allerorts als Klassiker deklarierte Black Christmas ließ mich zuerst ratlos zurück. Der 1974 entstandene Proto-Slasher erwischte mich auf dem falschen Fuß. Der erste Eindruck, dass es sich hier um einen leidlich spannenden und spät in die Gänge kommender Mischmasch aus Horror und Thriller handelt, konnte auch einen Tag später nicht komplett getilgt werden. Was Regisseur Clark hier gut zehn Jahre vor der beginnenden Slasher-Welle zeigt, ist natürlich beeindruckend. Die POV-Shots aus Sicht des Killers, z. B. die wirklich tolle Anfangsszene wenn in das Studentinnenheim unbemerkt eingedrungen wird, sind klasse umgesetzt. Seine leichte Nähe zum Giallo, am besten in der berühmt gewordenen Mordszene mit dem Glaseinhorn (die nebenbei gesagt wunderschön gefilmt ist) zu sehen, mag auch toll sein. Die kleinen Ausreißer in Richtung (College-)Klamotte zu Beginn und zwischendurch (der tumbe Cop in der Wache z. B.), die zähe Einführung der Protagonisten und ihrer persönlichen Probleme bremsen Black Christmas leider stark aus. Besinnt sich Clark auf das, was sein Film eigentlich sein sollte, funktioniert das sogar ziemlich gut.

Komplett wollte dieser Klassiker aber nicht bei mir ankommen. Mittlerweile festigte sich in mir der Gedanke, dass es sich für mich persönlich um einen Grower handeln könnte: ein Film, der mit jeder weiteren Sichtung wächst und begeistern kann. Da freue ich mich auf eine zweite Sichtung. Ob ich mir das am zweiten Weihnachtstag spontan eingeschobene Remake von Black Christmas nochmal anschauen werde, weiß ich nicht. Das Original schaffte es, mich neugierig werden zu lassen, wie die Neuverfilmung ausgefallen ist. Es ist eigentlich ein ordentlicher Slasher, typisch für seine Entstehungszeit, geworden. Die hier nun präsenten Studentinnen, die im Heim ihrer Verbindung von einem Eindringling dezimiert werden, sind noch mehr ein bloßes Abziehbild irgendwelcher Klischees um junge Studentinnen und besitzen weniger Charakter als eine Nebenfigur im Original. Man könnte sich dazu noch streiten, dass der im ersten Film gänzlich unsichtbare Killer, über den man als Zuschauer auch nie einen Hintergrund oder einen Grund für seine Morde erfährt, hier so stark in den Fokus gestellt wird. Die Vergangenheit des hier durch das Haus schlitzende Billy wird ausführlich beleuchtet. Im Kontext des Remakes funktioniert es und bietet interessante und atmosphärische Szenen in einem insgesamt konventionellen Slasher, der sich nicht um Logik oder eine ausgeklügelte Handlung kümmert. Wenigstens stimmt das Tempo: Black Christmas hat ein gutes Tempo drauf und bietet dazu einige nette Gore-Effekte.

Tempo würde auch dem letzten Film meiner Horror-Weihnacht 2017 gut tun. Ist Don't Open Till Christmas, im deutschen Raum auch als Fröhliche Weihnacht bekannt, von diesem fast ganz befreit. In seinem Entstehungsjahr 1984 war der Slasher recht erfolgreich im Kino und den Videotheken unterwegs und der im gleichen Jahr entstandene Silent Night, Deadly Night präsentierte dem Publikum einen mordenden, wahnsinnigen Killer im Nikolauskostüm. Der vom Hauptdarsteller Edmund Purdom auch inszenierte Don't Open Till Christmas dreht das ganze um: hier werden Weihnachtsmänner gnadenlos niedergemetzelt, dazwischen versuchen Scotland Yard und Kate, die Tochter eines der Opfer, den Täter zu finden. Mehr Story bedarf es nicht. Purdoms einzige Regiearbeit ist ein stumpfer Slasher, der es versäumt, die dünne Geschichte zwischen den Mordszenen einigermaßen interessant zu halten. Der Film versprüht hier den spröden Charme eines britischen TV-Krimis der 80er Jahre, nur eine Nuance schmieriger; weitaus weniger spannend und die Logik wurde - das zeigt auch die Auflösung - gleich zu Beginn der Dreharbeiten wieder nach Hause geschickt.

Für einen Slasher, der zwar hin und wieder nette Effektszenen, aber ansonsten vom Rest zu wenig bietet, ist das ein sicheres Todesurteil. Bei all' der Schlechtigkeit, kann dieser rundum billige Schmierer mit einigen interessanten Details punkten. Einerseits zeigt er seinen Handlungsort London als düsteres, verkommenes Drecksloch, weitab von den typischen Touristen-Foto-Motiven spielend und präsentiert rundum verkorkste Weihnachtsmänner. Die armen Gestalten, die den Löffel abgeben müssen, sind entweder stockbesoffen, Besucher einer Peepshow oder hatten laut Polizeiakte auch mit Drogenverkauf zu tun. Von allen Weihnachtshorrorfilmen, die an den drei Tagen sah, ist Don't Open Till Christmas der unglamouröseste Film. Wie so viele Filme, die in dieser Zeit spielen, müssen auch sie zuerst das gängige Klischee der Zeit mit all den bunten Lichtern, der heimeligen Atmosphäre und der überall spürbaren Nächstenliebe aufbauen damit es mit dem aufkommenden Horror niedergerissen werden kann. Fröhliche Weihnacht schert sich einen Dreck darum. Der in Deutschland beschlagnahmte Streifen ist von Beginn an dreckig, niederschlagend in seiner tristen Machart und weit weg vom gängigen Bild, welches wir von Weihnachten haben. Das muss man auch erstmal hinbekommen.

Im Endeffekt war das filmische Weihnachten recht durchwachsen, waren doch auch die sehenswerteren Filme nicht als komplett gut zu werten. Trotz der harten Worte gehört neben Krampus auch das Original von Black Christmas dazu, der es vielleicht auch wieder 2018 in den Schacht des Blu Ray-Players schaffen könnte. Erstmal freue ich mich auf die anstehende Veröffentlichung in Deutschland auf Blu Ray vom schon angesprochenen Silent Night, Deadly Night. Gehört er doch mit zu meinen liebsten Weihnachtshorrorfilmen, dessen Plakatmotiv ich mir zur unterstützenden Illustrierung dieses Postings kurzerhand ausgeliehen habe. Man darf sich auf eine Fortführung der Tradition im nächsten Jahr freuen. Immerhin kann sich dann auch noch der kleine, verbliebene Weihnachtsmuffel in mir mit dieser abreagieren.

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Crimson Peak

Seien wir ehrlich: manchmal sind Trailer kleine Arschlöcher. Anders kann man das gar nicht ausdrücken. Je nachdem, wie geschickt die Vorschauen montiert sind, schüren sie Erwartungen, die vom fertigen Film nicht gehalten werden (können). Hauptsache er lockt genügend Menschen ins Kino. Immerhin ist der Trailer auch eine Anpreisung und nichts anderes als schnöde Werbung für ein Produkt. Wie in anderen Bereichen, möchten auch die Studios und Verleiher, dass sich genügend Leute in die Vorstellungen verirren. Bei manchen Trailern kann man nach dem Genuss des kompletten Films den Kopf schütteln. Weil er eben die Erwartungen so hochsteckte, dass das Endprodukt, manchmal auch leider, nur verlieren kann. Oder weil er suggeriert, dass das betreffende Werk etwas ist, was überhaupt nicht oder nur bedingt zutrifft. Die Trailer zu Guillermo del Toros Crimson Peak gehören zur letzten Kategorie.

Die darin noch omnipräsenten Geister sind in der Geschichte des Mexikaners lediglich nur Beiwerk. Die Enttäuschung der normalen Kinogänger, die durch den Trailer ein weiteres Jumpscare- und Gruselfeuerwerk, wie es im Horroreinheitsbrei der letzten Jahre zu hauf auftauchte, erwarteten, ist fast verständlich. Passiert hier für ein desensibilisiertes Publikum, welches sich den Kopf in Schockern mit Eventcharakter von krassen Sound- und Bildeffekten wegblasen möchte, herzlich wenig. Del Toro wandelt weniger auf den Pfaden eines Conjuring, der trotz aller schön ausgearbeiteten Szenen gegen Ende in seinem eigenen Schockspektakel ertrinkt. Er beruft sich mit seinem Film auf die Schauerliteratur vergangener Tage, als Autoren wie Mary Shelley oder Edgar Allan Poe noch lebten und schenkt ihm eine herrlich opulente Optik, die an die großen Gothic Horror-Filme der Hammer Studios erinnert.

Crimson Peak kann man auch mehr als Hommage, del Toros persönliche Verbeugung vor diesen Dingen verstehen. Das stimmt einen als Zuschauer, der einerseits die altmodische, konservativ erzählte Geschichte stimmig, andererseits diese schnell durchschaubar findet, milde. Neue Impulse schenkt der Mexikaner dem Genre nicht. Seine Erzählung um die junge Edith Cushing, eine ambitionierte Autorin aus reichem Hause, die den abgebrannten Adeligen Thomas Sharpe heiratet und mit ihm nach der Hochzeit in sein halb verfallenes Haus Allerdale Hall zieht, welches er gemeinsam mit seiner Schwester Lucille bewohnt, gewinnt keinen Preis für Originalität. Das dunkle Geheimnis, dass auf dem Geschwisterpaar und ihrem Familiensitz lastet, ist leicht durchschaubar. Vielleicht wusste das del Toro auch. Seine Einstellung seinem Stoff gegenüber bleibt respektvoll, seine Liebe zum Detail lenkt von der narrativen Schlichtheit ab.

Die Schönheit seiner Bilder lässt selbst verzeihen, dass Crimson Peak manchmal wie eine Hochglanzversion alter Gothic-Klassiker wirkt. Die technische Umsetzung besitzt ein hohes Niveau und wenn Edith mit Thomas nach Allerdale Hall mit seinem riesigen Loch im Dach, durch das Laub und später Schnee in die Eingangshalle fällt und den langen, unheimlichen Gängen zieht, ist es bei Liebhabern solcher Filme vollends um einen geschehen. Irgendwann stört man sich auch nicht mehr daran, dass der hier versprochene Horror einem Mystery-Drama untergeordnet ist. Lieber ergötzt man sich an seiner angenehmen altmodischen Erzählung, den vielen eingewobenen Referenzen (z. B. der farblich bavaeske Beginn mit leichtem Nosferatu-Zitat, einem am Anfang gialloesk aufgebauten Mord, die immer wieder an Daphe du Mauriers "Rebecca" erinnernde Story an sich usw.) und den gut aufgelegen Darstellern. Seine knapp zwei Stunden Laufzeit bemerkt man nicht; del Toros spürbare Liebe zum Stoff lässt den Film eine hübsche Sogwirkung geben, der man sich gerne hingibt. Wenige Tage nach der Sichtung huschte mir hin und wieder ein positiv gestimmtes, leichtes Lächeln über die Lippen, wenn ich mich nochmal an Crimson Peak erinnerte. Liebhaber von Gothic Horror-Filmen aus den glorreichen Tagen von Hammer und Co. kommen voll auf ihre Kosten. Das gemeine Publikum sah dies leider anders: Crimson Peak war an den Kinokassen leider ein Flop. Es ist schade, zeigt der Film, wie viele andere aus dem Oeuvre des Mexikaners, welch wunderschöne, fantastische Welten del Toro in seinen Filmen schaffen kann. Ein mutiges Studio sollte ihm endlich all das Geld geben, welches er für seine seit langer Zeit geplante Verfilmung von H. P. Lovecrafts "At The Mountains Of Madness" benötigt. Er wäre der richtige Mann, um den kaum greifbaren Wahnsinn im Unterton seiner Geschichten adäquat auf die Leinwand zu bringen. Bis dahin (wenn überhaupt) muss man sich am fantastischen Pans Labyrinth oder dem sehr charmanten Crimson Peak erfreuen.

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Die Zärtlichkeit der Wölfe

Ulli Lommel ist nicht mehr. Am 2. Dezember starb der deutsche Regisseur, Produzent, Autor und Schauspieler an einem Herzinfarkt. Einen Namen machte er sich als Darsteller im Ensemble von Rainer Werner Fassbinder, mit dem er zwischen 1969 und 1977 21 Filme drehen sollte. Zuvor sah man den Schauspieler u. a. 1964 in der Russ Meyer-Verfilmung von Fanny Hill, bevor er drei Jahre später nach München übersiedelte, an der Kleinen Komödie Theater spielte und in Berührung mit dem Neuen Deutschen Film kam. Als Lommel Ende der 70er in die USA übersiedelte, inszenierte er mit Blank Generation und Cocaine Cowboys zwei Filme aus Andy Warhols Factory, in denen der Künstler auch selbst mitwirkte. Ruhm erlangte er durch den B-Horrorfilm The Boogey Man, der insgesamt drei Fortsetzungen nach sich zog. Mit dem erfolgreichen Schocker, der heute noch auf dem deutschen Nischenmarkt in schöner Regelmäßigkeit neu aufgelegt wird, blieb Lommel in der B-Film-Welt stecken. Er drehte in den 80ern u. a. den atmosphärisch recht guten The Devonsville Terror oder Olivia - Im Blutrausch des Wahnsinns. Er blieb den kleinen Filmproduktionen alle folgenden Jahren und Jahrzehnten treu und erlangte neuerlich Aufmerksamkeit, als er 2004 mit dem Casting-Show-Teilnehmer Daniel Küblböck Daniel, der Zauberer drehte, schrieb und auch eine Rolle darin übernahm.

Der während seiner Fassbinder-Jahre entstandene Die Zärtlichkeit der Wölfe greift zum ersten Mal ein Thema auf, welches in Lommels Arbeiten als Regisseur immer wieder auftauchen sollte. Ab Mitte der 2000er schuf er viele kleine B-Schocker zwischen No- und Low Budget, welche sich mit Serienmördern auseinandersetzen. Seine zweite Regiearbeit befasst sich mit dem im Hannover der 20er Jahre wütenden Fritz Haarmann. Aus produktionstechnischen Gründen verlegte man die Handlung des Films in das Ruhrgebiet des Nachkriegsdeutschland der 40er Jahre. Die am Film beteiligte Truppe von Fassbinder war zu dieser Zeit dort ansässig und verwendete für die Drehs Locations in Bochum, wo man am dortigen Theater engagiert war und Gelsenkirchen. Die restlichen Fakten blieben unangetastet und so widmet sich Lommel dem homosexuellen Serienmörder, welcher junge Knaben und Männer, meistens Ausreißer die er am Bahnhof aufsammelt, in seiner Dachwohnung verführt, umbringt und zerstückelt. Das Fleisch verspeist er selbst oder verhökert es an eine nahe gelegene Wirtschaft. Haarmann profitiert dabei von einem Spitzeljob für die Polizei und gibt sich sogar öfter als Polizeikommissar aus, wenn er nicht gerade mit seinem Handlanger Hans Diebstähle oder Hehlereien abwickelt. Für Fritz ist Hans nicht nur ein Komplize, sondern auch seine große Liebe, die unerwidert bleibt und in weitere Ferne rückt, als Hans irgendwann nur noch mit dem schmierigen Zuhälter Wittowski zusammenarbeitet.

Diese Liebe und unerfüllte Sehnsucht, die aus Haarmanns Gesicht leicht aufblitzen, wenn er mit Hans alleine ist, sind auch verstecktes Thema von Buchautor und Hauptdarsteller Kurt Raab. Fassbinder lag schon länger das von seinem Ausstatter und Darsteller geschriebene Buch vor, als er Lommel und diesen Anfang der 70er darauf ansprach und das Projekt gerne verwirklichen wollte, weil er noch Gelder der Filmförderung übrig hatte. Lommel ist zwar als Regisseur genannt, Die Zärtlichkeit der Wölfe ist merklich ein Film des 1988 verstorbenen Schauspielers. Raab und Lommel schwebte etwas leichtes vor, ein unterhaltsamer Film; ein Kriminalstück im Stile der Noir-Filme, das im Endeffekt zwischen Genre und Arthouse pendelt. Es mag damit zusammenhängen, dass Raab sich für die Dialoge der leicht gestelzten, theatralischen Sprache der Fassbinder-Werke bediente, dass sich der Film dezent entrückt anfühlt. Lommel und viel mehr noch Raab gestalten einen kleinen Kosmos, eine Welt die sich von der restlichen Gesellschaft der Nachkriegszeit abhebt. Raabs Taten, die fast episodisch in stoischer Ruhe erzählt werden und das interagieren mit seiner Umwelt, zeigt Deutschland nach dem zweiten Weltkrieg von "ganz unten". Die einfachen Leute, die den Film bevölkern halten bis zu einem Punkt zusammen, auch wenn persönliche Differenzen durchblitzen. Man sitzt im gleichen Boot, teilt das selbe Schicksal und eine Hand wäscht die andere.

Manchmal rückt damit die dunkle Seite Haarmanns aus dem Fokus der Erzählung, bis er plötzlich regelrecht getriggert wird. Dann erblickt er einen hübschen Jungen, der von seinem Blick eingefangen wird und vom Rest seiner Mitmenschen fast unbemerkt, nur von der Kamera und dem Zuschauer als stummen Beobachter eingefangen, laufen Bilder von Mord, Lust und Blut im Kopf Haarmanns ab. Raabs Spiel ist dezent, er trägt mit seinen Emotionen nicht dick auf und schafft es, dass man mit dem Serienmörder trotz seiner grausamen Taten mitfühlt. Sein Fritz Haarmann ist gefangen in seiner Selbst, eine Geisel seiner Triebe und dem Unvermögen, diese zu kompensieren. Der unscheinbare Mensch kann nur durch grobe Gewalt, die bis auf zwei explizitere Szenen komplett im Off stattfinden, diese lauernden Gelüste ausleben. So mag die Dachwohnung in ihrer Erscheinung, die dreckig und immer dunkel erscheint, ein optisches Abbild des inneren Zustands Haarmanns sein. Helle, Hoffnung schenkende Flecken blitzen selten bis gar nicht auf. Er ist dieser Dunkelheit ergeben und schreitet am Ende des Films, nachdem er auf frischer Tat ertappt wurde, in die Dunkelheit hinein als hätte er einen inneren Kampf mit dem Rest Menschlichkeit, gegen seine Dämonen, verloren.

Nicht nur durch sein Drehbuch, seiner Hauptrolle und seiner Ausstattung ist Die Zärtlichkeit der Wölfe mehr ein Film von Kurt Raab, als ein Film von Ulli Lommel. Es ist ein sehr persönliches Werk des Multifunktionalisten, der hiermit auch einen inneren Kampf mit sich selbst von der Seele schreiben und verarbeiten möchte. Raab selbst gab einmal an, dass er an Gott glaube und genoss eine strenge katholische Erziehung und war homosexuell. Der Schauspieler mag hier nicht nur von Haarmanns Gräueltaten erzählen, sondern auch von einem währenden, inneren Konflikt. Die Fleischeslust, das damals in sexueller Hinsicht gesetzlich verbotene, die in ihm wohnt, ihn wachhält und gleichzeitig die religiöse Seite, die dagegen ankämpft. Das in Haarmanns Wohnung hängende Kruzifix thront still und mahnend im Vordergrund, nimmt viel Raum des Bildes ein, wenn Szenen in der Wohnung spielen. Raab habe seiner Aussage nach exzessiv gelebt und dieses Leben auch genossen; wie lange brauchte er aber, um dies ohne einen Anflug von Zweifel zu sagen? Die Zärtlichkeit der Wölfe könnte ein filmischer Weg zur Erlangung der Sühne sein, ein zu sich selbst finden, um innere Konflikte zu bewältigen und abzuschütteln. Sicher legte der Mime nicht die ganze eigene Persönlichkeit in die Hauptfigur, eben auch durch ihre nicht alleinige fiktive sondern auch reellen Existenz als wahrhaftiger Mörder.

Vielleicht erscheint uns Raab in seiner Rolle so eindringlich und einnehmend. Den inneren Kampf verarbeitend, mag auch bis zu einem gewissen Punkt Verständnis für das Innenleben Haarmanns den Schauspieler dazu führen, eine sehr gute Performance hinzulegen. Das lenkt von wenigen spröden Momenten der Handlung ab, die durch ihre springende Erzählweise manchmal den roten Faden verliert. Lommel lässt sich da fast von seinem Hauptdarsteller mitreißen und mitziehen, wird vom Spiel eingelullt wie die Opfer von Haarmann, führt dann letztendlich seinen Film mit leichter Hand zum Ausgangspunkt zurück. Die Zärtlichkeit der Wölfe ist weniger der Unterhaltungsfilm geworden, den man beabsichtigte zu drehen. Er ist sozialkritisch und zeigt, dass das Wirtschaftswunder nicht jeden erreichte, dass es schon damals eine zweite Welt, eine andere Gesellschaft gab. Es ist ein persönlich gefärbter Film, ein True Crime-Drama bevor der Begriff True Crime geboren war und einen Hype um die Faszination von Serienmörder auslöste. Manchmal mag er zu nüchtern sein um im nächsten Augenblick dieses imaginäre Tor zum Seelenleben des Protagonisten und zu einem Teil zum Hauptdarsteller aufzustoßen. Es ist auch eine kleine Hommage an das deutsche Kino der 20er und 30er, zitiert eine Szene direkt Fritz Langs großartigen M - Eine Stadt sucht einen Mörder und auch der Beginn, wenn Haarmanns Schatten beim Gang durch eine schwach beleuchtete Straße entlangschreitet, erinnert etwas an das Meisterwerk.

Es ist Schade, dass Lommel, der mit seinem Werdegang vom Autorenfilm zum Underground über B-Horror und Low-Budget ein eigenwilliger Filmemacher wurde, der eine ganz eigene Welt zu bewohnen schien, nicht mehr ist. Da schließt sich der Kreis, wenn man auf Die Zärtlichkeit der Wölfe zurückkommt. Der angesprochene, ganz eigene Kosmos ist etwas, dass man auch bei einigen Fassbinder-Werken findet. Wie ein Teil einer gängigen Realität, einer Gegenwart, sich los löst und zu einer eigenen Welt wird. Schade, dass Lommel und Raab nicht mehr sind. Mir kam manchmal Heinz Strunks Buch Der goldene Handschuh über den Hamburger Serienmörder Fritz Honka in den Sinn und wie gut es gewesen wäre, wenn die beiden, wenn nicht Raabs AIDS-Erkrankung und sein Tod daran und Lommels Abtreten wäre, das Buch verfilmt hätten. Es wäre vielleicht ebenfalls so ein eindringlicher, leicht eigenartiger und vollkommen faszinierender Film wie Die Zärtlichkeit der Wölfe geworden. Fatih Akin kann ich mir noch schwer als Regisseur einer angedachten Verfilmung von Strunks Roman vorstellen. Das ist aber ein anderes Thema.

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